Vivencias Plásticas

• Durante más de treinta años (1950-1982) el matrimonio japonés MARUKI trabajó en estos paneles acerca de los momentos posteriores a la caída de las bombas atómicas sobre Hiroshima y Nagasaki. Un verdadero apocalipsis  planteado desde una perspectiva clasicista (los desnudos como imagen resumen), y lo sublime como expresión del abismo y de la aniquilación.      

• También una sensibilidad de referencia barroca por las evidencias de un sufrimiento violento, desacostumbrado, generador de muerte y destrucción. E igualmente una irracionalidad simbólica y mastodóntica. 

• Hay un precedente de distinto signo como el de Guernica, pero estas obras tienen distinto signo en su configuración, aunque la raíz del horror y la masacre es la misma. Su figuración tiene su base en los murales renacentistas, mientras la esencia de su dolor es de ayer. Los cuerpos salen volando como consecuencia de las explosiones, y el color del fuego o del negro del humo los invaden hasta consumirlos.Son las claves históricas de una realidad espantosa.      

El presagio común de la miseria vuelve a su posición. Alguien

pregunta por infraestructuras del horror como si los cisnes de

Sor Juana no pudieran abrir ese misterio. Es el tiempo de las

deserciones interiores.

(Juan Gelman) 

• Siempre hay un sur pobre, deprimido, agotado, resignado, esperando la muerte. Estas imágenes, con su esquematismo formal y geométrico, más van allá porque se entienden como un reconocimiento de doble vía. 

• El norteamericano GWATHMEY despliega escenarios trágicos y múltiples, en los que palpita una hondura aparentemente leve que no lo es y, por el contrario, su factura pictórica alcanza  una dimensión propia y simbólica.  

• Tenemos que pensar y apreciar en esta obra lo que decía Baudelaire respecto a que un cuadro requiere tanta picardía y vicio como un delito. En este caso el quebrantamiento está dentro y fuera, en lo que vemos y en lo que imaginamos. 

¿Quién dijo que el tiempo petrifica las lágrimas? Se

esconderán por ahí, en las moradas del delirio. Los huesos

pura piel de un niño muerto de hambre aumentan lodos del

espanto.

(Juan Gelman)

• El francés LURÇAT fue uno de los grandes maestros del tapiz de todos los siglos. Tal es así que ahora toda una gran sala del antiguo Hospital de Saint-Jean (actual Museo Jean-LurÇat y de la tapicería contemporánea) está dedicada a su obra. 

• Él hizo caso de la advertencia de Cézanne respecto a mantener la red bien prieta, sin agujeros por donde se pueda escapar la emoción, o la luz, o la verdad.
• Si me da por interpretar demasiado, por pensar mientras trabajo, todo se va al traste. 

• En todas sus piezas no hay riesgo de que esa luz estelar que ha concebido huya, está ahí para crear ese espacio sideral de esferas, signos, seres, cometas, rayos, estrellas. Así podría seguir hasta el infinito porque ese hacer es su ser.   

• El artista desarrolla tan ingente realización porque ha alcanzado la visión precisa y extática, el sentido último, el presentimiento lúcido, culminando en una intuición constructora del pensamiento del origen.   

Hay voces de las que nadie sabe nada / una hoz las

segó. Patrias en las que nacimos y no nacimos nos juntan con

lo que siempre fueron / crueldad colgada del pavor.

(Juan Gelman) 

 

• La estatuaria, a través de los siglos, ha venido despojándose de la gran carne de su cuerpo hasta desgajarse de ella, quitarse la piel y quedarse en los huesos. Lo que, situándonos en una perspectiva «ad hoc», quiere significar que los materiales usados no son sino el envoltorio de las hechuras que manejaban en una época dada.    

• En tal contexto, la obra de la oscense BRUNA que se expone actualmente en Eka&Moor Art Gallery de Madrid, abarca tanto un imaginario ancestral, primitivo, de vestigios, a los que se remonta, cultural, psicológica y estéticamente, para encontrar las fuentes originarias.   

• Como la idea suya presente que, entre tensión y tensión de la materia -sea la que sea- y la forma que le quiere dar, acaba estableciendo visiones y construcciones que se someten a un riguroso designio de compenetración y fuerza en la medida en que se erigen en dominadoras de espacios, en donde hundir la mirada, o en hilos que levitan configurando una vida en un éter metafórico y quietista.   

Llegan los ruidos de la muerte cotidiana / México / Irak /

Pakistán / Afganistán / Yemen / Somalia. Me miro sin

explicaciones / soy el asesino y el asesinado. Adiós, candor, los

restos de la infancia están pálidos / no hay que darles de 

comer.

(Juan  Gelman)

• Aseguran que el siglo XVII cambió la manera de ver a los hombres y, por tanto, de retratarlos. Lo cierto y verdad es que por mucho que el artista se adentre en la realidad, la explore e investigue, por mucho que quiera conquistarla, nunca podrá poseerla del todo.

 

• No obstante, el inglés SPEAR, con su poder y conocimiento sobre el óleo, que más que una técnica, es un modo de ver el mundo, halla en el retratado el trasfondo de esa imagen que se confiesa en el espejo anímico, porque en el otro es incapaz de contemplarse sin un atisbo de soberbia. 

• En esta efigies encontramos el resumen vital de unos hombres destacados en su época, que se convirtieron en figuras de acción, de presencia, de intelecto, cuyas obras perduran hoy en día y que se ven reflejadas en unos rostros que ellos mismos seguramente no sabían que habían llegado a adquirir con tales rasgos.

Pensar la muerte cambia a la muerte. De razón a delirio hay

un viaje / muchos pasajeros /clausuras constantes /

estaciones.

(Juan Gelman)

• Esta vertiente plástica ha tenido un importante desarrollo al ser el descubrimiento de una singularidad como la de la materia como interlocutor y sujeto al que interrogar, como una revelación de otras esferas con las que establecer bases de diálogo y pensamiento en el interior de otras coordenadas distintas a las que venían imperando.   

• El barcelonés ZAPATA parte de estos principios y otros más, que conjugan contemplación cósmica, sensibilidad espacio-temporal y significación en la emisión de unos signos que buscan lo prodigioso de una densidad casi incorpórea. Es una reflexión que se encuadra conforme al resultado de un proceso y una visión que acentúa una impregnación precisa, unos colores candentes, líquidos o empastados, cuya fuerza incita a la mirada a imaginarse en otros ámbitos y vivencias. 

• Aspectos como las texturas insufladas, el tono efervescente, se conciben por el autor como mutaciones vividas dentro de la materia, y también como metáforas de lo que podría ser en otros contextos de pensamiento y hábitat. Por tanto, un ciclo semántico que invoca la existencia de otros confines.       

La carencia construye mundos habitados / fábulas del

encuentro / constancias del ardor.

(Juan Gelman)

• Como espectadores apreciamos que nuestros espacios, aquellos que atravesamos, pisamos y que forman parte de nuestra existencia, nos muestren una estatuaria que haga funcionar visualmente a nuestros resortes más ocultos y con ello recuperar la emoción de una experiencia única. 

• El francés VEILHAN, a partir de su práctica con uno u otro material, ha llegado a conformar, dentro de esos principios, unos seres o entidades que delimitando sus zonas y hábitat, despliegan todo el buen hacer visivo de su dimensión, para hacerla compatible con su inserción urbana de uno u otro signo.       

 

• Lo característico de estas obras son su concreción geométrica, sus formas estructuradas en facetas que nos induzcan a pensar que la piel no produce arrugamientos, pliegues, rugosidades, sino epidermis simétricas, creadas a partir de sueños algorítmicos, que están dentro de sus propios cuerpos.  

Un poema que guarde un minuto de silencio

por lo que nunca se debió callar.

(Benjamín Prado)

• Cualquier tipo de materia atrae inevitablemente al hombre, siente que de una u otra manera forma parte de su vida, aunque frecuentemente no sepamos respetarla ni tener conciencia de su don y naturaleza, sólo sacar aprovechamiento de ella abusando así de su ofrecimiento.   

• No obstante, la española OTERO, con auténtico sentido del oficio y de lo artesanal que hay en todo proceso de elaboración de una obra de arte, procesa intuitivamente la potencialidad y significación de esa materia, ya sean arpilleras, telas, tierra, pigmentos, etc., hasta consumar la búsqueda de una epifanía que identifique visualmente el signo que nos comprende, que nos abisma o nos sublima.     

• Mágica y emocionalmente manipula y corrige en todo momento los procedimientos técnicos que utiliza,  para que la creación que aparezca sea el fruto poético al que todo autor aspira, por sentirse parte de él, compenetrado con él, que sea en el fondo la expresión de una sabiduría vieja que no ha cesado, entre rotura, arrugas y vetustez, de interrogarnos cuando se muestra permanentemente. Un ejemplo más de lo que continúa siendo un poder simbólico.    

Siempre habrá un general que usurpe el trono

y un Palacio de la Moneda en llamas;

prestamistas que compren

y vendan

nuestra sangre:

pueblos que echen abajo la estatua de un tirano.

(Benjamín Prado)

• La elocuencia gráfica del madrileño PARRA-MORENO, esté dentro de una corriente u otra, o de una tendencia u otra, es la vibrante seguridad de que sus figuras y retratos tienen una marca biográfica y mítica, visual y simbólica.  

• La utilización y penetración en la superficie de esas ficciones le permite, con su agudo sentido del dibujo y el color, fusionar los elementos de una historia que legitima y exalta su configuración plástica, de tal forma que quede unitaria la reflexión entre el icono y su contexto, este último el que el autor propone y dispone como fruto de su obsesión cognitiva y artística.     

• Y ciertamente esta síntesis es efectiva porque al final desborda nuestro imaginario, hace que esté totalmente compenetrado con esa manifestación creativa que da luz a ciertos aspectos que todavía restan por recuperar y profundizar, aunque parezcan obvios.  

Algunas veces,

hay que irse muy lejos a empezar con buen pie.

(Benjamín Prado) 

• Hay que hacer que una sociedad lo vea todo desde lo que le es más insólito, escatológico o repudiable hasta llegar a lo lúcido. El arte está para construir mensajes desalienados, libertarios y libertinos, pendencieros y provocadores.    

• Para ello el checo CERNY juega con nuestras emociones y nuestras percepciones, porque en un mundo que ya no se fía de sí mismo hay que contemplar el entorno bajo otras opciones más lúdicas, más conceptuales, más divertidas y menos domésticas.   

• Es un antiarte al que le importa un comino las convenciones y cánones, lo suyo es que la mirada de los espectadores, a través de esas grandes esculturas e instalaciones, se encuentre en un territorio que no ha pisado, que puede estar minado en sus creencias y convencimientos y que además le sorprende con su espectáculo. 

• Por tanto, no existe otra posibilidad que tomarlo o dejarlo, considerarlo un reflejo del absurdo de la época en que vivimos o un desatino para propiciar el escándalo -de eso ya queda auténticamente poco-. Evidentemente que para algunos será fruto de una crisis de valores, pero para otros el signo de la nueva era artística. 

Aquel mar de Florida no era el suyo.

Pero la historia empuja a los vencidos

detrás de las fronteras

igual que el viento arrastra

por las calles

el río

de las cosas perdidas.

(Benjamín Prado)