Vivencias Plásticas

A pesar de que he emprendido una dura campaña al estilo totalitario (si no mientes te…..) para tapar mis huellas, no voy a dejar de ser maleante y timador. Yo no cobro pero me pagan -son mis víctimas y tiene que haberlas, ahí reside la eficacia del timo-, como el primo que me acusa por entregarme dos mil euros por veinte cochinos libros. No ha entendido que la editorial es mi forma de vida, con la cual estafo, trapicheo, chuleo y además me considero alguien (vicios de infiltrado). ¿Quién me va a denunciar? Nadie me conoce en la Asociación de editores de España. Sí, ya sé que las ediciones son ínfimas y no venden nada, pero lo importante es lo que soy: baladrón, fatuo, felón, magancés, miserable, piceño, bellaco, camandulero, malandrín, buscavidas, chinchorrero, cucarro, donillero, bergante, condongo, galfarro, garduño, fementido, fullero, villano, truhán, hampón, marraja, rapaz, ribaldo, zorrastrón, mindongo, pícaro, rufián, trilero, tunarra, uñilargo, tagarote, ruin y vivales. Y que nos den.

La anatonomía humana aún ahora siempre guarda resquicios plásticos por los que introducirse y reflejar hallazgos, enfoques, resonancias, efectos, que nos ponen ante la vida y la muerte.
El francés STEYER utiliza su amplio campo de operaciones de su hacer artístico para centrarse en las posibilidades de unas sonoridades visuales que resuelven el acto en sí mismo. Esas formas están ahí, son la segunda capa del existir y exigen ser la primera.
Pero tiende a dulcificar esas improntas con un cromatismo que las hace poéticas y hasta juguetonas. Son las señas de identidad de sus creencias pictóricas, de sus tendencias a considerar de esta manera la condición humana, rozando el juego, la ironía, una realización de la que se disfruta más que se padece.
Seguro de mi vida y de mi muerte, miro los
ambiciosos y quisiera entenderlos.
Su día es más ávido como el lazo en el aire.
Su noche es tregua de la ira en el hierro, pronto
en acometer.
Hablan de humanidad.
Mi humanidad está en el sentir que somos voces de
una misma penuria.
Hablan de patria.
Mi patria es un latido de guitarra, unos retratos
y una vieja espada.,
la oración evidentes del sauzal en los atardeceres.
Más silencioso que mi sombra, cruzo el tropel de
su levantada codicia.
(Jorge Luis Borges)

La madrileña PAMIES nos ofrece un ámbito pictórico en el que el significante lo expresa todo o casi todo. Por ello, la figuración es un cauce por el que se deposita una inconfundible forma de concebir una plástica muy determinada.
Jesús Viñuales ha escrito que el estilo en arte es lo que dota de sentido y concentra la significación dispersa en la percepción del artista y la hace existir expresamente.
La autora confirma esta hipótesis sobre la base de dejar que su manera de entender una realidad quede plasmada con una cadencia pausada, centrada en los atributos y cualidades de una realización fecunda, personal y anclada en un imaginario que cede su sintonía a la fantasía.
¡Noches en que los pasos suenan
como malas palabras!
¡Noches, con gélido aliento de fantasma,
en que las piedras que circundan la población
celebran aquelarres goyescos!
(Oliverio Girondo)

El jugar con las dimensiones, el empequeñecer la condición animal -incluida la nuestra- hasta convertirla en meros muñecos, en títeres enanos extraviados en grandes sofás sucios, pardos, en piscinas y bañeras inverosímiles, es el signo de una pintura reduccionista en lo físico, amplia en lo visual.
El uruguayo ITURRIA nos propone el humor, lo ridículo incluso, como una forma de ver lo que somos, lo que hubiésemos podido ser o lo que ya hemos sido. Es un juego pictórico que aúna la convicción y un extraño mundo.
Es su manera de expresar una reflexión inagotable y al mismo tiempo extraer dominios plásticos donde antes no los había. Y plantear toda esta lectura como una senda que va de poema en poema acerca de nuestras incertidumbres, que de tan pequeñas se hacen grandes.
Yo venía del sur en caballos e idilios:
«La patria es un dolor que aún no sabe su nombre»
(Leopoldo Marechal)

La hibridación es un signo de nuestros tiempos, es un recurso que forma parte de la cultura visual contemporánea. La utilizamos como sinónimo de nosotros mismos y ya no nos asusta.
El holandés MANDERS, con sus esculturas, viene a verificar la eficacia de esa hipótesis antes de convertirla en tesis. Y ese esquema clásico dividido, alterado, se hace metáfora y símbolo. Porque demuestra que en esa disecación hay algo que no funciona a nivel de nuestra sociedad, sólo precisamos detenernos ante su prosodia visual.
No es una obra que impacte, su serenidad y estatismo no da para tanto, sus hallazgos son puramente conceptuales dentro de un armazón que siempre nos suena, que identificamos como artificios en sendas de paseo melancólico e introvertido.
Pero la gran verdad, ésa se queda
hasta que el alma silenciosa parta.
(Arturo Capdevila)

Nos hay puertas que puedan cerrarse si vienen del pasado. Estos personajes son parte de una memoria que el artista austríaco SCHINWALD ha rescatado con la otra apariencia que escondían cuando estaban vivos.
Incluso el juego de luces y sombras, de superficie cromática, tienen esa especial evocación, que linda con el subconsciente, con lo reprimido, con lo que no sale a la luz más que en contadas ocasiones.
Hay una sensibilidad reflexiva, que circula sobre muchas capas, ya sea la histórica, la pictórica, la cultural, la social, hasta llegar a una metáfora oculta ante tanta perfección del mensaje lanzado.Lo paradójico es detectarla y verla.
Pero juegan los dioses cielo arriba
a poner vidrios y a mover espejos.
¿Qué engaño baladí! Los hombre solo
pueden ser clientes de quedar perplejos….
Todo mentira: las rosadas luces
y el oro ardiente de los aparejos…
Mentira, alma; sin igual mentira…
¡Y para esto venir desde tan lejos!
(Arturo Capdevila)

¿Por qué su autora, la argentina CONSTANTINO, busca escenificar este juego de un limbo deseado? ¿Por qué esta visualidad fetal?
Al final se trata de mostrarnos un deslumbrante intento de metamorfosis, de formas inéditas, que para algunos esa es la naturaleza del arte.
Se habla de que la forma es impensable sin la idea de matamorfosis y que esta hace pasar de la forma a la forma sin que intervenga el valor. No está muy claro pero como proclama vale lo que el papel.
Si el acto de creación es por excelencia el surgimiento de lo inesperado, ese instante que, separado del precedente, instaura una nueva evidencia, esta obra no encaja en esos márgenes. En otros, quizás. Pues habrá que pensar en ellos.
Ahora creo que en las playas sólo
el mar escriba cartas todavía.
Con sus blancas espumas las escribe.
Una que me escribió yo encontré un día.
(Arturo Capdevila)

No nos gustamos, somos ridículos, mezquinos, insignificantes, adefesios, irrisorios. Todo eso somos y mucho más. No es cuestión de agotar las metamorfosis en la elaboración física o virtual.
Y volvemos a llevar la contraria a Baudrillard cuando manifiesta que la iconoclastia moderna consiste en la fabricación de una profusión de imágenes en las que no hay nada que ver. Imágenes que no dejan huellas, pero sí de las que ha desaparecido algo, que es el secreto de la simulación.
Pues en la obra de la iraní MADANI nos queda claro el humor, la ironía, la parodia, hasta el horror de ser hombres, fundamentalmente hombres inicuos, grotescos, infames, mal hechos, mal dibujados, deformes, repelentes, feos. Es decir, metamórficamente humanos.
No hay piedad en esa frontera artística a la que muchos tildarán de mal gusto, otros de mero cómic para pasar el rato, otros de un arte vil y rencoroso. Quizás sea un compendio de todo y aún así también constituya un iconostasio a la inversa. Lo que no cabe duda es que es fruto de unas experiencias existenciales y ajustadamente formales.
(Y es que ignoré que el alma, santuario de misterios,
empieza con jardines como los cementerios.)
(Arturo Capdevila)

La propia autora, BLACK, artista del Reino Unido, manifiesta que su obra no tiene significado pero sí consecuencias (sic). Nominada al Turner del 2011, argumenta que prioriza la experiencia con el material sobre el lenguaje. Evidentemente sus esculturas o instalaciones van en esa línea. Como dice Braudillard, hoy todas las cosas quieren exhibirse, ya sean objetos o materiales técnicos, industriales, mediáticos, o artefactos de todas clases.
Lo que es lo mismo que declarar que quieren significar, ser vistos, ser leídos, ser grabados o ser fotografiados. La autora así lo ha entendido, pero además de la naturaleza apropiada o inapropiada de los elementos que utiliza contribuye a que se desenvuelvan en espacios nítidos con el fin de que provoquen la creación de todo tipo de sensaciones.
Cierto es que no tienen un signo definido, que pueden incurrir en hallazgos de quitan y pon, de retórica visual que se plantea como exclusiva. Por tanto, es el receptor el que debe encadenar su percepción con el efecto, con la impresión, y valorar su emoción y pensamiento. Y no hay más.
Sola, fané, descangayada,
la vi esta madrugada
salir de un cabaret;
flaca, dos cuartas de cogote
y una percha en el escote
bajo la nuez;
chueca, vestida de pebeta,
teñida y coqueteando
su desnudez….
Parecía un gayo desplumao
mostrando al compadrear
el cuero picoteao….
(Enrique Santos Discépolo)