Vivencias Plásticas

No es el primero que proyecta y traza para mostrar la deconstrucción. Son cartografías, planos vacíos, en el aire, como si se hubiesen quedado huérfanos después de la burbuja inmobiliaria. Por eso toman otra disposición, se erigen en creaciones que existen por sí mismas volando, con su dinamismo y agonías que van depositando en su base.
La del valenciano GUILLEM no es ciertamente pintura, o es aquella de la que hablaba Baudrillard, en el sentido de que hay una gran dificultad para hablar de ella, porque existe un gran impedimento para verla, pues la mayoría de las veces no quiere exactamente ser mirada, sino absorbida visualmente y circular sin dejar rastros.
Eso sí, tiene el don de imaginar cómo sería lo que nunca será, cómo planear meticulosamente un entramado de líneas y geometrías cuyo fin se ha volatilizado, es una ilusión perdida, una parodia cartografiada de metafísicas imposibles.
Pero un viejo y noble abuelo
así el cuento terminó:
-Y cantando murió
aquel que vivió cantando,
fue -decía suspirando-
porque el Diablo lo venció.
(Rafael Obligado)

En estas esculturas del navarro SOLANO hay un sentido clásico y otro simbólico del lugar, de la lucha, de la vida del hombre en un entorno y una comunidad determinados. Se quiere que el espectador admire esa fuerza, esa energía, muy al estilo de antiguas corrientes un tanto ideologizadas.
Incluso en esas siluetas aéreas queda remarcado un planteamiento de exaltación, de engrandecimiento, que se hace muy vivo cuando pasamos a través de ellas.
Lo recio y robustez de la materia implican una concepción que busca denodadamente lo intemporal y lo que más denota un espíritu, cual es la figura del hombre en toda su dimensión y grandeza. Es un enfoque al que quizá le sobra implantación y le falta magia y misterio. Pero ahí quedan como eterna compañía.
Ansí mesmo, me confundo;
y dudo que en la ocasión,
hombres que dicen que son
los liberales del mundo,
se recuesten a un ladrón.
(Hilario Ascasubi)

Leí en algún sitio que las instalaciones, al habitar el espacio de manera controlada, modifican y llaman la atención sobre el modo en que el mismo acumula significado y lo transmite a quienes lo ocupan.
En el caso de la brasileña CINTO sus obras e instalaciones rebasan ese control, quieren ser un mar y una naturaleza inmensurables, conforman la visión de un nacimiento cultural a través de océanos y pequeñas embarcaciones que sirven de transporte a las ideas, a las saberes, a la vida y al sufrimiento de pueblos y de razas.
Su contemplación nos hace relacionar su expansiva concepción plástica con un pensamiento que enlaza lo visivo y lo conceptual, el planteamiento formal y el espiritual, hasta dar con la formulación debida e íntima, con la lírica precisa y conversa.
Ni el miedo ni la codicia
es bueno que a uno lo asalten-
ansí no se sobresalten
por los bienes que perezcan-
al rico nunca le ofrezcan
y al pobre jamás le falten.
(José Hernández)

Tela, bordado, óleo, es lo mismo pero no es igual; es lo mismo en lo que a lo pictórico se refiere, no es igual en lo que concierne a las calidades estéticas y telúricas.
Asimilamos el arte a través de los sentidos como por medio de la razón. Y aquellos aluden a una concepción vital sobre la materia utilizada (reciclada con identificación de origen), sobre el color explícito que por sí mismo es una señal enunciativa determinante. Por el contrario, la razón nos dispone a sensibilizarnos con una obra, la de la tinerfeña IDAIRA, como deseo de no olvido, del sentido de comunidad, de gracia y realidad casi virgen.
Es una pintura entre un continente y otro, entre un acervo y el presente, entre un lenguaje y su sintonía con el tiempo que fue y el que quiere ser en el futuro, un futuro en que quede esta huella si lo demás muere.
El hombre, hasta el más soberbio
con más espinas que una tala,
afluja andando en la mala
y es blando como manteca;
hasta la hacienda baguala
cai al jagüel con la seca.
(José Hernández)

La pintura actual, en sus miles de manifestaciones, siempre vuelve sobre sí misma, utilizando distintos e iguales recursos, obsesionando a la imagen para exprimirla más y más,tratando de devolvernos una visión que oscile entre el estupor y la noción.
La joven española ANDREA muestra sus preocupaciones y reflexiones sobre la propia condición femenina, sobre sí misma, destapando a través del impacto visceral del color, aquello que no se ve y que sutilmente deja en el aire, porque esas manchas no son para leer, son para escarbar en ellas.
No es un cromatismo duro sobre un dibujo hábil que sabe encuadrarlo, es un cromatismo que conjuga variaciones según la esencia de sus significados, de sus contrastes y correspondencias, de sus dudas y vacilaciones. Pero calan en la mirada y en la carne, y en el futuro, de continuar en esa línea, tendrán mayores inmensidades por la que despeñarse.
Que no se trabe mi lengua
ni me falte la palabra;
el cantar mi gloria labra
y poniéndome a cantar,
cantando me han de encontrar
aunque la tierra se abra.
(José Hernández)

Una obra en que utilizando recursos y parámetros marcados por una impronta estilística concreta, plantea una reflexión sobre ella misma, sobre sus objetivos, sobre su estética, sobre sus convicciones.
Sus apropiaciones vuelven a tomar otro sentido cual es el de que la materia siempre comporta encuentros y búsquedas en las que es trascendental su espacio visual, el cómo concebirlo y transmitirlo. Es un ideario hecho a pedazos, en fragmentos, en texturas, en cuadriculaciones y geometrías o en espesas capas.
El sumario de su expresión no reporta ni le hace falta ir más allá de esas latitudes pero tampoco más acá. Se queda en un trabajo de laberintos en los que la experiencia ahonda y sufraga, invita a seguir y extrañar lo que es una derivación de anteriores conceptos, ahora renovados por necesidad y agobio.
He respetado en todo al Dios desconocido
bajo las tres hipóstasis de Bello, Puro y Cierto.
Di al alma cinco dracmas y una a cada sentido
y, sin embargo, aquí estoy, muerto.
(Ezequiel Martínez Estrada)

Decía Matisse que la importancia de un artista la determina la cantidad de nuevos signos que introduce en el lenguaje artístico.
El ilicitano AGULLÓ es uno de los que van introduciéndolos después de planificarlos largamente en un acto de percepción que es al mismo tiempo un giro del pensamiento, y un acto de observación que es toda un proceso y una incardinación inventiva.
Por lo tanto, es una obra rica en intuiciones, en un trabajo mayúsculo de sistématica en los procedimientos, en la manipulación de la materia, en obtener de lo simbólico la alianza con lo fantástico, en que la terrosidad sea ese cosmos que nos devuelve a la condición de los que somos una vez que lo hemos contemplado.
Mas no la maté con las armas,
busqué una muerte peor:
¡Lo besé tan dulcemente,
que le partí el corazón!
(Alfonsina Storni)

El norteamericano SHAW es capaz de bailar hasta con las garras más feroces. Si el arte es un lenguaje de signos y símbolos, que debe estar en constante evolución, el suyo es un proyecto fascinante de reunirlos todos en una fiesta y celebrar el fin del mundo.
No hay una determinación en esa cita que hace, le pasa a la cuenta a todo, pero el conjunto ha de ser una exhibición única y excepcional, en que además lo incoherente paulatinamente va tomando la forma de una coherencia atinada, basada en los opuestos.
Surrealismo, dadaísmo, para su obra ese mismo no tiene sentido y si conjuga será con neos de zarabanda, con etiquetas de garrafón y de historias que tiene un estilo muy formal pero sometidas a dietas de falta de apetito. Así no, él más anárquico y vocinglero, de ingenio vivo, insolente y hasta arrogante.
Alma que sabe y todo niega.
Y negando lo bueno el bien propicia,
porque es negando como más se entrega,
Alfonsina Storni).

Lo grotesco, lo caricaturesco, son recursos artísticos que nos permiten profundizar en la realidad, nos la hacen más viva y más presente, más esclarecedora y visceral. Porque lo que hace el arte es identificar y ahondar en la cultura que lo genera.
Estas cabezas reducidas «Tzantza», fruto de la práctica de los jíbaros del Amazonas, se mantiene por parte de su autor, el colombiano MAQUIAMELO, con el mismo carácter de ritual, aunque en este caso lo enfoca desde una perspectiva muy contemporánea y por eso mismo más corrosiva.
Lo cierto es que estos pequeños iconos reúnen en sí mismos la naturaleza que llevan dentro, la cual expresan y vomitan hasta crear alrededor de ellos una atmósfera mórbida y hasta repugnante. De esas cabezas y de esas mentes ha desaparecido el embrujo y ha quedado la miseria de lo que fueron y siguen siendo.
Me salí de mi carne, gocé más alto:
oponer una frase de basalto
al genio oscuro que nos desintegra.
(Alfonsina Storni)

Somos un planeta que destruimos más que creamos, algunas veces hasta pensamos que la destrucción es placer y necesidad, goce y supervivencia.
El colombiano BORDA es el reverso: crea espirales que no tendrían límite con esas maderas que arrojamos como inservibles. Discierne del arte un hábitat, una forma de vida en los más ínfimos mundos, construye un entorno dentro de ellos para que la visualidad nos alcance en toda su ortogénesis. Quizás hasta sea una propuesta del perfil de una evolución.
Estas instalaciones tienen también la característica de estar muy bien meditadas, muy imaginativamente pensadas, de tal forma que sean lo más cercanas a la propia índole espiritual y física del espectador, del habitante que ya es cuando está dentro de ellas.
Ya no hay princesa que cantar, Darío,
ni ayer la hubo, ni la habrá mañana,
fragmentos dispersados, nada más,
miembros de estatua y espejillos de alma,
y hay que forjarla en sueños por sí propio
sobre el yunque de plumas de la almohada.
(Baldomero Fernández Moreno)