Vivencias Plásticas

Decía Francis Bacon que existe una claridad tan deslumbrante en lo oscuro como en lo claro, hasta un punto en el que el pintor ya no ve porque es sólo una mirada, esa que está ahí dando forma a lo limitado.
Para el canadiense HAMBLETON, tal como afirmaba Rosales, una pintura no necesita estar acabada para estar hecha. Simplemente el esbozo del hombre en sombras marca un devenir existencial, toda una biografía que quedará sin escribir porque el stop señala el reloj del tiempo ya prescrito, lo mismo que su cabeza de caballo moribundo.
Es una plástica concisa y anclada en tinieblas, como la metáfora del infierno por llegar y que únicamente él presiente, cansado de mirar imaginarios sin significación absortos en su banalidad.
Hasta que se afianza
en ti la sensación del todo absurda
de que, a medida que andas
por las calles vacías,
ellas, a su vez, andan
por tu vacío, dentro
(Lorenzo Oliván)

Que la recuperación de determinados lenguajes, abstractos o figurativos, siempre será el síntoma de una muy concreta posición política o ideológica, me parece excesivamente aventurado. Prefiero lo de que el artista ha de atender a que la obra produzca imagen, a que de objeto material se convierta en fetiche cultural.
No creo que el italiano SCIPIONE se haya planteado esas hipótesis a la hora de concebir su trabajo. Más bien, guarda unos referentes históricos que son un ideario perenne y erupción de un apocalipsis de corte religioso que recrea, se solaza y se realiza dentro de una plástica turbia, ferviente e indescifrable, si la contemplamos más allá de su epidermis.
El peso de la culpa es más evidente cuando cicatriza en el lienzo, enuncia y anuncia desde el mismo, vaticina y amenaza. Son fuerzas que el artista descubre en su interior y las expresa con todo el vigor de su carácter malsano y angustioso, feliz, por otro lado, de verlas tan culminadas e implorantes.
Oh, Dios, que habitas más allá del todo,
oh, tú que eres
tan poderoso como para hacer
cumplir tu voluntad aunque no existas,
haz que mis sueños no se cumplan nunca.
(Lorenzo Oliván)

Cierto es que lo que une las distintas experiencias creativas es la superación, mediante una práctica ecléctica, de la ya ridícula e inconsistente división entre abstracto y figurativo. Como tal aserto, se ha de ver la obra del italiano GUCCIONE, cuyo aliento pictórico descubre esos horizontes y atmósferas, esos amaneceres o anocheceres que a través de esa plasmación fría y aérea quedan como símbolos eternos de una naturaleza viviente e infinita.
Se puede incluso afirmar que ante ella hay un tinte de belleza que se escapa de nuestros ojos y nuestro ser para quedarse en una lejanía incontaminada, pura, que se regenera dulcemente, delicadamente, como una letanía sin oración que la perturbe.
Se ha dicho que el arte es productivo en cuanto llega a obtener una magnitud de su propia demarcación y promulgar su propio orden interno. Sin ninguna duda, tal es el sentido paisajista y estilista de este artista.
El mundo a punto está de ser tan sólo
la fosa de unos astros agotados,
que ha de sellar, rotunda y para siempre,
la negra losa de la noche inmensa.
(Lorenzo Oliván)

Con nuestros restos se crean espantajos mutilados que no se asocian con espíritus libres y sensibles. Se construyen bajo otros dominios estéticos, otras máscaras escatológicas que nos remiten a una antinomia del ser, a una metafísica de la parodia y de lo efímero espantoso.
El italiano ALBANO no nos ahorra una repugnancia que sirve como emblema ideológico y filosófico, la del matadero, la de la carnicería y casquería. Se muestran como piezas desinfladas, pieles macilentas, huesos, cráneos, hasta como posibles despojos de cámaras de gas o de los distintos genocidios que se sucedieron en el pasado siglo.
href=»https://goyovigil50.wordpress.com/?attachment_id=7619″ rel=»attachment wp-att-7619″> Es una escultura que desemboca en la condición de una irrealidad que no existe o, por el contrario, se hace evidencia, puesto que esa es una realidad patente fruto del propio imaginario del artista, que la ha manejado como la verdad de una simulación que opera sin una aparente coartada.
Si ha de pasar una prueba, es la de su capacidad para reiterar lo aún no visto, lo que tiene de fragilidad y de miseria lo que mitificamos en aras de una salvaguarda elusiva e ilusoria.
Todo tiene otro rostro, y no es el rostro
jamás de lo aparente. Cada cosa,
asomada a lo que es, nos da la espalda
y se abisma en saber qué esconde dentro.
(Lorenzo Oliván)

Hay un mundo introspectivo, misterioso, enigmático en el vasco ZURIARRAÍN, lo enseña con el asombro que nace de él mismo según lo va configurando, según las formas van tomando rasgos indecibles, a modo de organismos que se alimentan de sí mismos.
No nos impone ninguna duda en cuanto a esa jungla que compendia un campo visual de angustias e interioridades, que tienen una dinámica propia, una coloración casi cifrada, una promiscuidad que no es más que la identidad de su naturaleza.
Microcosmos cerrados, ámbitos marcados por un acervo que desbroza todo lo que encuentra hasta salir a la superficie, porque en su aparición está oculto un destino que no se transmite más que a través de esta representación que se nos desnuda sin habérselo pedido.
Un dios burlón en ti lee entre líneas.
(Lorenzo Oliván)

Dentro de la órbita de la plástica cubana, los planteamientos pictóricos impulsan ópticas diferentes conforme a la percepción de una formación y una experiencia que se liga a una práctica visual, que si parte de un origen tiene después un desenvolvimiento mucho más sorprendente y amplio. Para CASANUEVA, los colores son luces que manifiestan sus rasgos imbuidos de una intuición formal y casi escultórica.
Acentúa reflejos, flotaciones en superficies líquidas, construcciones geométricas que únicamente ordenan ese caudal cromático que funciona como un motor sensorial.
Hay cierta organicismo que soporta la afloración de entes que tienen el propósito de revelar a la mirada un ideario semántico que atraiga y no señale, que seduzca y no fulmine, porque enmarca una visión que confluye en la creatividad de otras tinturas fundadoras de nuevas superficies.
La sangre es una luz que se ciega en la luz.
(Lorenzo Oliván)

El punto de partida tomando como referencia a la modernidad constituye para el cubano SOLER el pulso necesario para expresar su propio lenguaje. Y esa semántica, que oscila entre lo sólido y lo aéreo, tiene una realidad más simbólica por adentrarse en un contexto determinado.
Su imaginario, basado en la madera, en el hormigón y en otros materiales, así como en la geometría, hace que la mirada se desnude para encontrar un camino de libertad que se edifica entre cadenas, entre escollos que no son insalvables porque hay un espíritu constructivista que viene a ensamblarlos como líneas, como direcciones etéreas, futuristas, que marcan movimientos y señales.
En su obra hay una labor artesanal inicial que va penetrando en ese proceso de creatividad, tanto de hallazgos como de alusiones, que enmarca lo visual en una esencia primordial plástica basada en una forma de la que se exprime y se escurre un fondo que nos queda como pensamiento y enlace de la ocupación de unos espacios que nos induce a ver de otra manera y desde otra perspectiva.
La sangre es una aurora que no soporta el día
y que alumbra tan sólo entre las sombras
de la carne encerrada, en el espeso bosque
de los huesos con ramas de venas y tinieblas.
(Lorenzo Oliván)

Cuando me encuentro con obras como las que realiza la coreana KYONG no sé si soy capaz de entender lo que decía FREUD a propósito de que el artista mata simbólicamente al padre y al mismo tiempo probablemente vea su eficiencia fuertemente estimulada por su experiencia sexual.
Ni desgarramientos ni derramamientos, sino una lujuria visual que ensarta la mirada del espectador en un escenario de suntuosidad genuina. Establecer diferencias entre una quincallería y un acuario no sirve para nada, ni tampoco el exceso de afectación, moda, tentáculos, coronas y animales acuáticos flotantes. El imaginario es libre y la tentación sofisticada y cosmética también.
En sí tal propuesta es una nada que simboliza un todo o viceversa. Y si no va de símbolos va de escaparates, esos que uno ve y acaba olvidando o tergiversando, que para el caso da lo mismo pero sin frivolidades insinuantes.
Quiero tener miedo.
Déjame al menos conocer ese húmedo silencio.
(Ana Isabel Serrano)

Durante muchos años el americano COLEMAN fue un colaborador de la Disney que perseguía un mundo de colores. El suyo lo constituyen paisajes exóticos, inaprensibles, paradisíacos, en los que el color, ahí es nada, abarca la totalidad del cuerpo y el espíritu.
El problema es el artificio de tal representación pictórica, ni siquiera el impresionismo se engañó tanto como para armar ese escenario tan decorativo, tan falso, como un recetario de médico de nubes y regocijos.
Es excesiva la supuesta magia del oficio para levantar un modelo estilístico de tanta ambición y escasa consistencia, como es igualmente excesivo ese gasto cromático para reflejar geografías imberbes.
Un lugar rompe su alma cansada,
deja un eco lejano, un susurro de alarma
que cae en un fondo traicionado de
fuego y llamas.
(Ana Isabel Serrano)

Las apariencias estéticas con que encubre su obra el mallorquín PINYA entrañan un engaño, un señuelo en el que caer en los márgenes infantiles, graciosos, cómicos, en la síntesis en definitiva, de unas historietas que tienen el destino y formato adecuado a otros fines.
Pero ese contexto ilustrativo y plástico se construye sobre la base de otras implicaciones y significados,
fundamentalmente referidos a temáticas contemporáneas, ya sean sociales, políticas, económicas y culturales. Y tienen mucho de parodia, de pintura esquemática e inocente, para así ensamblar de forma más convincente una imaginería alegórica y de fábula de mercado los domingos por la mañana.
No cabe duda que es una opción más dentro de un cosmos artístico que no tiene definición alguna, que parte de estrategias distintas para llegar a itinerarios que con serlo por sí mismos ya tiene ganado el futuro.
Te espero….cruzando el umbral de la vida.
(Ana Isabel Serrano)