Vivencias Plásticas

Siempre te dicen que habría que clasificar las obras de arte en dos categorías: las que son inmediatamente identificadas y por lo tanto significativas y aquellas cuya ambigüedad es instantáneamente evidente.
Y todo ello es porque todavía estamos en ese marco en que las estéticas tradicionales no se resignan ante las contemporáneas a perder su carácter normativo a cambio de no partir de ninguna base apriorística. La madrileña RUIZ PERDIGUERO entra de lleno en esta polémica porque su obra manifiesta, dentro de esta últimas coordenadas, delicadas transparencias, iluminadas opacidades. La vida que habita esas antiformas ruge y palpita, rompe y destruye toda certidumbre.
Es una poética que se alimenta de la experimentación de sus pasiones y deseos, de sus urgencias y al final de sus propias ausencias. Las desbandadas cromáticas son fecundadoras de emoción y encuentro con nuestros sentidos y con el espíritu integrador de superficies y visiones.
Qué lentamente sonará en la sombra
la ausencia mineral que esculpe el tiempo.
(José Luis Rey)

Ahora está en el Reina Sofía, ahora se la ensalza y hasta sólo falta elevarla a los altares, pero lo cierto y verdad es que murió en Palencia en una total miseria y en una más total soledad. Algunos dicen que la obra plantea al autor las oscuras fuerzas de la destrucción que velan en él. Es decir, que el arte lleva en sí la destrucción.
Sin embargo, considero que la pintura de la española GADEA consistía en la producción de una transgresión de los tabúes, una liberación de las amenazas, una reafirmación de su condición de mujer, aunque con ello se juegue con fuego, se pague un precio con momentos de angustia y depresión y hasta se emprenda un descenso a los infiernos.
En su trabajo no existe esa aparente oposición entre perspectiva y realidad de la obra, entre la jocosidad y literatura del cómic y el encuentro con esas fantasías crepitantes que se alimentan de lo que es mutable, de lo que expresa una revisión de los esquemas, un replanteamiento continuo de los modos de ser y de ver en el mundo.
Mientras España ardía y un poeta miraba deshacerse el
hiel en canto, fluir las frases brillantes de la tierra, la luz,
la salvación, él llegaba a la cima de lo eterno.
(José Luis Rey)

Se ha dicho que en la obra de arte, una estructura imaginaria sólo es significante si se alimenta con la sedimentación de las fuerzas de una época y de una cultura.
Así lo ha entendido el madrileño MUÑOZ al tomar los signos de derroche de nuestro tiempo y sociedad, invirtiendo el proceso de destrucción y desprecio por el de reciclaje sobre la base de las formas y del arte. Antes como no tenía forma permanecía mudo, ahora, a través de este suelo habitado, al tenerla, se le puede escuchar.
En este escenario, ese análisis de Freud de la oposición entre el arte que trabaja agregando y el que trabaja suprimiendo, se ha despejado mediante la visibilidad de un claro vencedor, cuya poética tiene un claro compromiso con la idea plástica y su discurso ideológico.
Y fue en ese momento,
exactamente, cuando llegaste tú, comadre vieja,
puta vieja, redomada comadre,
y has cogido mi mano,
cuando mi mano daba tranquilamente
pan al árbol y el árbol lo comía,
y daba el aire al aire y lo comía,
cuando llegaste tú, hasta mí, de pronto, y me
sorprendes.
(Antonio Quintana)

Señalaba Artaud que los artistas han de dar salida a esas angustias eternas, de alcanzar así una especie de identificación de sus propios sentimientos con los furores colectivos del hombre. Y en el costarricense ZÚÑIGA, en su obra, se da además y como énfasis humanista, tanto de una forma como de otra, ese cultivo de del antropomorfismo, previo siempre al de la naturaleza.
Pero en sus esculturas los seres están aprisionados y soportando un peso que no pueden apartar y del cual liberarse. Alegoría de la situación del hombre encadenado a un destino que no tiene puertas de salida y que medita sobre ellas cuando ya la indefensión es determinante.
< La materia, en su manifestación de entorno, de superficie, de cielo, tierra, de hábitat, de mundo, toma la forma de una condición geométrica que absorbe a la figurativa, la encierra y trata de que regrese a lo que fue, sea o no una condena ancestral o un símbolo que no muestra sino que demuestra.
Dicen que no soy alto. El que lo dude,
que le pregunte al aire,
que le pregunte al río
y a la muerte.
(Antonio Quintana)

Es cierto que al dar vida a una forma el artista la hace accesible a las infinitas interpretaciones posibles. Una vida humana y animal que se manifiesta con una fraseología alegórica, incluso edénica, por más preguntas que formulase, pues lo consigue con la clarividencia de un dibujo que se nos mete en las entrañas.
La colombiana CÁRDENAS oficia de humanista y hasta renacentista en su obra, si bien le da el rasgo propio de una transparencia que nos invita a acariciar, a dejar que nuestros ojos y nuestras manos se posen y toquen para captar las vibraciones y los latidos.
Las pieles muestran esos puntos o agujeros a través de los cuales percibimos y hasta oímos porque nos hacen entrar dentro, no fuera, y sabemos que las líneas, los contornos son incluso nuestra metamorfosis ya que al fin y al cabo ellos también están en nuestro interior y rezuman el lenguaje de las vísceras. NO lo sabía:
y en el duelo yo era el muerto.
Me despertó de pronto
mi plañidera voz, casi perdida al fondo,
como el eco que un día no terminará nunca.
(Antonio Quintana)

Son formas que alzándose de la materia, sea mármol o piedra u otra, en donde estaban contenidas, se alzan, se desagregan de lo accesorio, se metamorfosean sin perder el núcleo original.
Hay en ellas reminiscencias, rastros, evocaciones, una memoria que ha ido cambiando hasta encontrar otra hechura que se adaptase a su nueva condición de icono vertebrado pero indomable.
Conforma una estructuración de fuerza y pequeños vacíos que son los que la hacen más consistente, más recia, más ídolo en los espacios que ocupa y que ella hace girar a su alrededor. Quizás hasta sea una expresión de la energía y fuerza del destino de una masa que el uruguayo ATCHUGARRY ha sabido intepretar y extraer del espíritu de su naturaleza.
El bolsillo es el rincón del hombre donde que-
dan aún,
casi dormidos, casi despiertos,
restos de días perdidos.
(Antonio Quintana)

Una frase polémica pero muy cierta la de Castro Flórez cuando señala que la crítica se ha convertido en algo marginal y la teoría ha sido transformada en una mezcla de lo críptico y lo pretencioso, por lo que las incitaciones a aceptar como inevitable el devenir banal de la cultura no faltan.
Por eso me inhiben estas instalaciones del cubano BREY, por cuanto, como alegaba Picasso, los hombres que quieren explicar un cuadro, por lo general ladran en la dirección equivocada. ¿Estamos ante ese acaecer insustancial y trivial de lo visual o es una reflexión espontánea y no meditada sobre el arte?
La verdad es que se detectan circunstancias, espacios, ámbitos, objetos, materiales, quizá la potencia implícita en el poder del secreto que expresa el autor, un mundo en el que cabe todo eso y mucho más, pues su pensamiento está en la materia elegida y en la idea manifestada.
Era un loco muy serio,
que enjaulaba la mar,
y regaló la mar, ola por ola.
Empaquetaba brisas,
caracolas.
Increíbles veleros, lejanos, inasibles.
Etéreas gaviotas, una a una enfiladas,
y horizontes callados.
Era un loco muy serio.
(Antonio Quintana)

El sueño no es más que nuestra realidad cotidiana que se ha vuelto loca, nada más (J.B.). En el caso del puertorriqueño TRELLES no es que esté loca sino que se eleva a un imaginario de luz, mito y quimera.
Toda creación de raíz caribeña tiene algo de ensueño y de búsqueda de una forma que haga desaparecer el objeto para justificarse como forma. La imaginería plástica cobra sentido entonces con sólo conferirle esa oda animista y recuperadora de la leyenda perdida.
El juego cromático no hace más que sentir y persistir en su influjo, en cavilar en aquella pátina que más le represente y le dé muestras de su identidad única, maravillosa y extraída de los ámbitos más secretos y menos iluminados hasta ahora.
Aquí está el muerto más callado del mundo.
El que menos ríe y menos come,
el que menos pregunta.
Por eso lo lloramos, lo queremos,
en este día cualquiera de los hombres.
(Antonio Quintana)

Esta es una visión plástica de una tragedia antigua abierta a todo las confluencias caribeñas y tropicales. Los personajes gritan o callan pero se descubren a sí mismos y a sus enemigos, ya estén dentro o fuera. El color estalla, reverbera en tonos acuciantes u oscuros acorde con el martirio, la muerte y los acontecimientos. El retrato cumplió su destino, ya es híbrido y observa.
Sobre el puertorriqueño ROCHE y su obra podrán cavilarse miles de respuestas y críticas, pero seguro que todos los análisis coincidirán en la fuerza a un tiempo primitiva y actual de una imaginería que nos penetra, que revela lo oculto al mismo tiempo que lo evidente.
Sus técnicas de frotado forman parte de un proceso que va desvelando el misterio de la vida al borde de la muerte, la encarnación de la muerte cuando quiere ser vida, incluso estigmatizarla en el interior de unos espacios alucinados y hasta dolientes. Es un móvil más para apreciar la encarnadura pictórica y no dejarla nunca.
SEÑOR, señora:
yo vendo amantes sin arrugas, recién lavados,
limpios.
Yo vendo amantes recién salidos de la plancha,
de la lavandería.
Yo vendo amantes y mantas para camas largas y
anchas,
como enormes planicies, como estepas, como
tumbas.
(Antonio Quintana)

Páginas de nuestra historia nacional pintadas como una declaración de certezas y como huellas y vestigios de una España agónica, dura, doliente.
El español FERRER no se anda por las ramas plasmando con gran realismo esas escenas que conmueven y señalan, que son la representación de una carne y una piel maltratadas, pobres y condenadas.
Es una pintura con un significado claro y determinante, pero no por ello menos alucinante y conjurada en su épica expresiva, la de la derrota que no cesa y nunca acaba.
¡Oh la vida, la vida,
que en dolores se extiende
y en proyectos se abrevia!
(Alberto Vanasco)