Vivencias Plásticas

Juegos de desdoblamientos, de rostros superpuestos en distintos momentos e intensidades en una marea inconcreta unas veces, otras en superficies ficticias que son sustancias en las que se sumergen en esos sueños que acaban confundiéndolo todo.
La de STUBBS es una obra tangible que busca la mirada de lo intangible, la que a través de esos seres va más allá, desde el dolor hasta el placer, desde el grito hasta el pensamiento.
La plasticidad aúna su propia naturaleza carnal con un estudio introspectivo de lo humano, ahonda en sus distintas representaciones y trata de que el espejo sea uno y múltiple al mismo tiempo, oficio de memoria insepulto y guardián de soledades que remueven y vivifican.
No es huir este repentino sobresalto a veces duro
que tiñe el rostro de apagados secretos y preguntas.
Es que también hay angustia rápida,
un pez de sueño roto que transita en su flecha
y que constantemente hacia la luz desaparece.
(Fayad Jamis).

La madera talla su sino, adquiere la forma que en cada momento goza o sufre, no necesita vestirse ni enmascarar su angustia ante la contemplación de esos cráneos atormentados,que no son restos sino voces mudas y ojos ciegos.
En el colombiano GERMÁN BOTERO la creatividad se constituye de muchas vivencias y éstas saben cómo enhebrarse para su salida desde lo aparentemente ignoto. Y no son frágiles, son interlocutores de un existir devastado por todo lo que no es el tiempo.

Silencio! No admito
palmada en el hombro.
Silencio! No quiero tocar el escombro
que vive debajo del grito.
(Carrilda Oliver Labra).

El costamarfileño WATTS acabó siendo amigo de Basquiat y a través de esa afinidad culmina una obra que se sale de la periferia, pasa por el centro y vuelve de nuevo al suburbio.
Que es un cruce de imaginarios y caminos en los que cabe desde un hechizo mágico hasta una matemáticas místicas o esotéricas; desde un legado de signos a otro de símbolos, así como el mismo uso del color, tan característico, con sus disonancias y anarquía, hace que nos depare esa conclusión final de la que hablaba Marcia Tucker: la obra que más me gusta siempre es la que no entiendo.
En resumen, una visualización que acaba siendo una corriente plástica de mundos que están latentes, que sólo se asoman para entenderse, pero que constituyen auténticos territorios en los que asentar una comunidad de creyentes.
Y nombraré las cosas tan despacio,
que cuando pierda el Paraíso de mi calle
y mis olvidos me la vuelven sueño,
pueda llamarlas de pronto con el alba.
(Eliseo Diego)

Se dice que el artista experimenta para lograr la perfección de forma y de estilo que dé precisión cualitativa a su producto, que en el caso de la obra del norteamericano SNELSON hablamos de compresión flotante (así lo denomina él) como una combinación entre tensión e integridad estructural.
No cabe duda de que hay muchas más formas de percibir estos artificios que se despliegan en el aire marcando su condición en el espacio que les rodea. Son símbolos de un etéreo que tuviese un designio visual y espiritual, argumento que se introduce desde nuestra mirada una vez que seguimos las perspectivas de sus formas, tanto uniformes como asimétricas.
Parece como si se constituyesen como arterias de un organismo vivo que revelase los diagramas de su mente geométrica, en la que nosotros deberíamos fondear para asistir a un universo de distintos y descomunales horizontes.
Yo había descendido con pensamientos de invierno
-sonetos de Quevedo y cenizas de Paul Klee-;
y cada cual, ceñudo, leía entre vaivenes para olvidar el tiempo.
(Gaston Baquero).

La norteamericana NOLAND es hija del pintor de campos de color Kenneth Noland, del que no quiso tomar nada, ni siquiera la mínima ayuda para colgar el gallo. Así y todo, dicen que obtuvo el récord por el precio más alto (6,6$) asignado en subasta a la obra de una mujer.
Si nos adentramos y desplazamos alrededor de sus instalaciones, tendremos la suerte de que podremos hartarnos de cerveza, pollo, hamburguesas, etc., con lo que hablar de una visión conceptual y posmoderna del sueño americano se nos hace un debate más fluido, un tanto beodo y hasta medianamente lúcido. Incluso alguno dirá lo de que subyace un vientre sórdido (más bien, hinchado y fermentado) en el que quedó hundida para siempre la promesa de un paraíso utópico.Desde luego, no sería por la cerveza, que esa no podría faltar.
La vulgaridad es, no cabe duda, un forma de reconocer lo que somos, lo que bebemos y lo que comemos, y esta artista lo único que hace es ponérnoslo en bandeja, servírnoslo y nosotros devorarlo. Por tanto, buen provecho y despreciable escenario.
Se nos va hinchando la vida,
deforma su ala,
para acabar sepultando
monstruos de nada.
(José Lezama Lima).

La soledad de esas formas antropomórficas es el medio de comunicación de un mundo de signos que nos remonta hacia muy atrás y nos deja en una estela muy adelante.
Su sentido guarda un misterio y los vericuetos conceptuales son tan simples como intrincados. Incertidumbres y memoria, desnudez y desazón existencial.
No hay precisión de un entorno terrenal en la obra del holandés FISH, únicamente se ha categorizado un conjunto de visiones que devuelven a la imagen la ceremonia singular con que han sido concebidas.
Entonces decidimos que toda visión era un templo destruído.
Si me vuelvo el adjetivo cae, si no me vuelvo el nombre resplandece.
Si vivimos en la noche más lejana podemos respirar la nebulosa
que nos está conduciendo hacia las playas de la posesión que nunca acaba.
(José Lezama Lima).

¿Esas piezas articuladas y polícromas son zoomorfas? ¿O son los restos mutantes -aunque tengan un vago parecido con caracolas- de unos entes que juegan a una estética destapada entre el mar y la tierra?
¿Son las causantes de ese esqueleto automovilístico agujereado que medio arrumbado nos queda como un epitafio sin muerto? Está claro que estas esculturas son sinfonías que van de concierto en concierto para así hacerse más visuales y significantes. La mirada va detrás y nunca logra adelantarse. ¿Qué pasaría si lo hiciera? No busque respuestas porque el arte fundamentalmente son preguntas.
Hay que agradecer al francés BOSSUT que nos haya deparado la visión de estas andanzas, pues facilitan el comprender que coinciden tanto como divergen muchas maneras de ver y pensar el arte.
Quedaba un árbol, su imagen y la noche.
Inmóvil fiera, pegada y voluntaria,
escarba con sus uñas, destruye con su aliento.
(José Lezama Lima).

Del gallego VILAMOURE ya hablé en un post que le dediqué en el otro Blog el 19 de marzo. Ahora, con motivo de su reciente y última exposición, en la que muestra un repertorio gozoso de collages, tenemos la oportunidad de que las imágenes sean claras u oscuras -ese relativismo visivo- están llenas de color y sin espacios inútiles.
Pesa la herencia, dirán algunos, pero no la tradición, dirán otros, aunque si es esto último la primera ni siquiera es la toponimia de la memoria, porque ni le sobra ni le basta. Con lo cual, hay adheridas telas, texturas, empastes, papeles, recortes, pinturas, reproducciones, fotografías y mucho más que me es imposible discernir.
Parecen, por tanto, versos de estructura nueva y vieja, de compás, son e hibridaje diversos. Porque cuando empieza cada uno las posibilidades se multiplican mediante la acumulación y yuxtaposición, el encaje y el ensamblaje, hasta que quedan preñados con una significación plástica que los hace terriblemente bulliciosos, fantásticos e incluso místicos. Pero además esa densidad pictórica los define desde unas claves y atmósferas que son registros visuales de festejos y festines, a la que le quedan cortas las superficies donde extender la vista en busca de brillo y policromía. Seguro que será para la próxima vez si no se le escapa a raudales.
Con el vino alzado hasta la muerte,
la escarcha se prolonga si penetro
en nuevo aparte de mi oscuro nuevo.
(José Lezama Lima).

Lo conceptual no anula por completo la carga visual y aunque su propósito sea explicarla tampoco es su fin último, porque la obra siempre sigue abierta y dispuesta escapar con sus ruedas para no poner límites a su marcha.
Que el alemán SLOMINSKI ejecute este tipo de instalaciones no quiere decir que el arte sea algo que ya no sepa gesticular y expresar, que sólo sepa huir y almacenar. No es cierto, puesto que de lo contrario ese balón no quedaría en esa soledad simbólica de desterrado en una habitación vacía. Si se acercan y lo tocan se irá con vosotros.
Por tanto, hagamos como que vemos al mismo tiempo que pensamos, pero no dejemos que la sensibilidad nos arrastre, no se trata de un exaltado don poético a ras del celo agotador de la máquina, ni de deslumbramientos de fábula y preciosismos de parábolas rimadas.
El son del querer maduro, tu son entero;
el del abierto futuro,
tu son entero;
el del pie sobre el muro,
tu son entero…
(Nicolás Guillén)

Entramos de lleno en ese posmodernismo que agrega objetos, los que sean, los sitúa y aparecen en a modo de retablos, decoraciones, colgaduras, armarios, muebles de comedor, etc., incluso como una almoneda variopinta, resumen de un quita y pon muy mediático y efectista.
Lo comprobamos con las obras del norteamericano OTTERSON, que nos sirven como muestrario de cachivaches muy bien ordenado y hasta con unos cuantos enanitos músicos que son quitaesencia de un quehacer estético por el que el arte puede llegar a donde está prohibido el mutismo de no saber bien si lo de la obscenidad viene bien para colocarlo en un museo.
En definitiva, lo nuclear del asunto es que puedan aprovechar tales ajuares para sus ratos de concentración y ruptura, de melancolía y búsqueda de alternativas. Aquí hay tantas piezas que raro sería que no aprovechasen alguna.
Y si dudáis de mi creed al viento,
mirad al norte, preguntad al cielo.
Y os dirán su aún espero o si anochezco.
(Emilio Ballagas).