Vivencias Plásticas

Una unidad integradora es lo que pone ante nuestra mirada con su obra la boliviana PACHECO, ya que no es un puro formulismo sin significado sino todo lo contrario. Es una realidad que no está arrancada a trozos sino que postula una geometría de acervos culturales, topográficos y plásticos que mixturan orígenes, formas, planos y un sentido hondo de la tierra.
No hay tonalidades amorfas, ni meros destellos sin materia, ni faldas de luz volubles. Hay autonomía, construcción y esqueleto formal, correspondencia entre conceptos estilísticos y una significación de raíces orográficas y antropológicas.
Desde ese mundo de resonancias cósmicas se desvela una creatividad que ha sabido buscar las señas de identidad artística y personal, además de un paisaje de ecos llenos y compactos, de silencios guardados durante milenios hasta ahora, que son capaces de revivir en un lenguaje nítido y transfigurado.
Ir Humberto, Felipe y yo al Malecón y acabarse el ron es todo uno. Pero aparecieron los Megadenses (Oscar Wilde), que nacen viejos y van creciendo más jóvenes cada año y luego mueren niños, que lo compartieron con nosotros mientras escuchábamos su historia. Si la contásemos nadie nos creería.

Con la práctica informalista se penetra en lo que ya es un paradigma sobre la determinación o indeterminación de los límites físicos del arte -aunque unos llevan a los otros-. Como si el reflejo del complejo y contradictorio mundo marcase las continuas diferencias de posición del hombre contemporáneo.
Ahora no caben expresiones de meros estilos, sean o no históricos, o búsquedas que no sean las de los enigmas ocultos en la materia o el descubrimiento de nuevas dimensiones. En definitiva, necesidades íntimas de un quehacer plástico.
A través del alemán THIELER este ámbito de creación fue una ruta de la que se destacó su visceralidad, antítesis y agobio ante lo imposible. Un sendero que se creía encerrado en una etapa de disolución que precisaba un mayor alcance.
De esta cohabitación de formas y anti-formas se seguirá hablando y conociendo porque sus elucubraciones han generado y generan intensos diálogos con nuestra percepción y una sensibilidad que va más allá de su propia vigencia.

Hace mucho tiempo que Humberto, Felipe y yo no paseábamos por El Malecón. Era un día templado y abierto a la conversación pero los Laktros (Oscar Wilde), que se dicen hijos de los tigres y se pintan de amarillo y negro, no nos dejaron en paz. Y además nos dejaron sin ron.

El artista contiene dentro de sí el sentimiento de su propio caos -ya ha roto el orden del pasado-, y necesita exteriorizarlo de la manera que él cree que es más significante.
Así es como el italiano SCANAVINO le da vueltas y ensayos a la materia hasta penetrarla con ese virus que no corroe, pero que impulsa una red de misterios que se sintetizan en la superficie.
Urdimbres que se enroscan en las texturas, se agitan o reposan dentro de ellas, o meras huellas calcinadas, son ahora esa comparecencia de lo informe que se hace una realidad que engloba pasiones y alianzas plásticas en favor de una visualidad que impone el significado de lo contrito en el pensamiento del hambre.
Por consiguiente, dentro de su obra hay un laboratorio que no cesa de resumir lo que tiene el arte de historia y sensibilidad desde su origen, lo que ha acumulado de rasgos e ideogramas, lo que sigue sin desaparecer a pesar de haber sido otro relato y acto de la forma. El creador simplemente lo ha sentido y expresado desde su visión y capacidad para hacerlo visivo y vivo.

Se pinta a oscuras y el nacer de los colores
hace la luz, cada color apoya el golpe mate
de su compañía y después nacerá otro color
en cuyo rostro se despereza la danzante.
(José Lezama Lima).

Fernando Marías escribió que la crítica constituye sólo una opción, «contemporaneizante», de fronteras imprecisas y terminología ambigua, de las muchas existentes para estudiar las obras de arte.
Acogiéndonos, por tanto, a esta venia, nos permitimos no omitir lo que también señaló Catherine Millet respecto a que nunca como en el siglo XX se ha hecho del arte un experimento de técnicas, recorte, pegado, trenzado, máquina de coser y circuito electrónico hasta convertir a los artistas en seres obnubilados por los objetos que fabrican, olvidando que el arte no tiene mucho que ver con los objetos.
Pero seamos claros, la forma de un objeto es su función, su objetivo. Y la obra de arte un medio de acción, así como la metáfora corresponde a la representación simbólica de las artes plásticas.
Vayamos entonces, a propósito de la obra del norteamericano SIMONDS, a Enst Cassirer que se ha referido a eso de que «el hombre no vive en un mundo puramente físico, sino simbólico». Símbolos que cuando entran en contacto con lo intelectivo y lo emocional adoptan una forma artística, fruto de la actividad creadora de ese impulso espiritual.
De todo ello hay constatación de una realidad: la de que el ojo se cansa y necesita siempre estar estimulado, por lo que está a la espera de nuevas visiones y representaciones formales. Ahora bien, precisa Wölfflin, la mirada tiene su propia historia. Y toda nueva forma de visión cristaliza en una nueva visión del mundo.
Si el salmón roza las heladas plumas, las risitas
-confundidoras de barrios por el truhán de la luna-,
mudan de antifaces y de antílopes, rodando
por las puertas dobladas de los naufragios.
(José Lezama Lima).

Las técnicas de la pintura, manifestaba Lionello Ventura, son infinitas, como son infinitas, hay que agregar, las formulaciones y configuraciones de que se reviste.
En cualquier momento surge un nuevo territorio plástico que nos hace entrever otra forma de ver la vida, porque, lo escribió así Catherine Millet, el arte es lo que inmoviliza al visitante un instante -largo y silencioso, añado-, un impulso que el cuadro da al pensamiento y que hace que, brutalmente llevado hacia un sentimiento desconocido, el pensamiento abandone allá el cuadro como una madera muerta.
¿Cuál es entonces esa epifanía que se produce al situarnos ante las obras del peruano CASTELLANOS? Pues la misma que se desarrolla en nuestro imaginario al entrecruzarse distintas dimensiones y referencias que tocan lo tangible y lo intangible: mitos, creencias, raíces, orígenes, expresión y concepción de la figuración, etc. En definitiva, la esencia de una condición humana que nace para ser transfigurada de acuerdo con un ethos de imperfección, de soledad deformadora y aborígen.

¿La salud del objeto es su posible reducción
a forma? ¿El acabado alcanza su transfiguración
en la forma? ¿La forma es un objeto?
¿El objeto creado por la forma es un fragmento?
El espíritu del río y del poblado,
se enreda en la glorieta del extenso lienzo chino.
(José Lezama Lima).

Estas piezas, que parecen arañas vivas descendiendo por las paredes de nuestro imaginario, ponen a prueba nuestras capacidades como receptor, el complejo de experiencias, vivencias, ideas y sensibilidades que lo forman.
Es una obra en la que la irrealidad forma parte de lo real, aunque su entelequia sea una metamorfosis metafórica que nos deje intrigados y sometidos a elucubraciones intrincadas.
Bien es cierto que la española SOLÍS, merced al empleo de ese material y esas estructuras hiladas, no considera más que una trama escultórica que aúne contraposiciones visuales en un espacio acorde para esa cadena de filigranas fantásticas, dejando que sea el propio espectador el que sienta e interprete las múltiples evocaciones de esa realidad mostrada.
Por consiguiente, hagamos caso al filósofo Malebranche y toleremos que la imaginación constituya un foco de seducción, cuyos engaños nos inspiren un saludable horror.

Trae un cordel en la boca,
pero no encuentra
ningún laberinto, y se pierde.
(José Lezama Lima).

La abstracción, digan lo que digan y escriban lo que escriban, anatemicen y sancionen, sigue ahí sin perder su capacidad de insinuación y de encuentro con hallazgos con los que establecer una relación mutua duradera.
Con esta valenciana, GAMÓN, premio BMW de pintura, se completa una fase más, con independencia de su adscripción a una u otra franquicia -la abstracción postpictórica, sin ir más lejos-, en que la nitidez líquida en que se encarna su creación conforma un dominio en el que la mirada busca su propia acción y elección.
La energía se transforma y así da lugar a una transfiguración que hace pie en la obra, la penetra y postula la visión de una síntesis que habla cromáticamente y se expresa dando lugar a unas nubes que son condensaciones vivenciales, determinaciones de naturaleza interior, que guardan la vez para declararse y manifestarse.
Para los espectadores es un lenguaje que toma una forma sutil y calmada de encararse en ocasiones, o una configuración de mar bronco, amenazador e instigador de funestas voluntades en otras.
En conclusión, la artista se hace eco de sí misma, de la semántica, impuesta y elaborada, de sus emociones, de la libertad pictórica que se agita entre sus límites, sus referencias, sus excesos y carencias.

La niebla es el sombrero de una vida sumergida,
quitarse el sombrero es lo invisible que convida.
(José Lezama Lima).

El ámbito artístico actual ha logrado una gran diversificación -que algunos llaman eclecticismo- y admite una pluralidad cada día mayor de recursos, con los que trata de incorporar en su seno, tanto una máxima confrontación dialéctica, como una creciente contribución y diálogo en las propuestas formales e ideológicas plásticas.
Centrándonos en la obra del granadino SÁNCHEZ BAYO, recientemente premiada, verificamos aquello de que el arte une el pasado con el porvenir, la pintura con su propia encarnación de lo que fue y sigue siendo, esa línea artística que al mismo tiempo que conserva avanza, transfigura y testimonia.
Esos ámbitos cerrados, oscuros, sombríos, que sólo una llama blanca poderosa, fiera y agresiva alcanza a alumbrar. Esos retratos -en los que otros autores han probado su oficio- específicos, inimitables, tal que transferencias de identidad, que además de la imagen de potencia, tienen la capacidad de engendrar y transmitir una amenaza de poder, que percibimos como una parábola viva del presente.
Por consiguiente, se impone la referencia a Mario Dionisio y su frase respecto a que «la obra de arte es un espejo transfigurador, excepcional, único, donde la vida se para sin morir».

Unía el río la piedra con el alma;
la estrella en la fibra de la palma
sonríe la bisagra de dos mares.

¿Pesa el conocimiento como cae el brazo?
El aliento y el bostezo divino enlazo
si el pez y el relámpago son pares.
(José Lezama Lima).

Ante estas instalaciones se me ocurre el incurrir en esa expresión de que son «imágenes emblemáticas de lacerante densidad existencial» o simplemente acudir al fenómeno de incitación a la asistencia a un espectáculo dinámico, agresivo, inagotable y cuya enjundia es su excitación desmesurada.
Al tratarse de un artista chino, GUO-QIANG, hemos de atenernos, primero, a considerar su inserción en el mercado que más ha crecido en los últimos años, a una vertiente cultural y artística que ha asimilado dentro de sus confines lo que son pautas ya globales -incluso han ido más lejos en ocasiones- y a una predilección por estas puestas en escena como matriz configuradora específica.
En lo que atañe a la visión de esta obra, la dimensión a la que hay que aludir es la de un universo que opera sobre unos elementos que juegan a transfigurar la función para la que han sido elaborados, a mirarlos y pensarlos desde tal parámetro y a colegir que la disecación no es real en tanto actúa sobre bases de visualización que tienen sus propias reglas de escenificación y transmisión.
El autor busca confrontación y dialéctica, luego de la sumisión a una contemplación que nos deja con las interrogantes a flor de piel, con la intuición de que no es válida una racionalización que sepa dar con las claves y explicarlas. Lo esencial es que las haya pero solamente para que cada uno se las quede como suyas y no se torture con aprehenderlas.

De la inteligencia de la misa
a los placeres de la mesa,
el rayo vital no cesa
de engrandecerse con la vista.

Aunque el oído me da la fe,
la visión como un mastín rastrea
lo que el Arcángel flamea
en el punto donde no se ve.
(José Lezama Lima).

Si en el arte contemporáneo la gama fenomenológica de la tipología de la obra es enormemente extensa, hasta alcanzar la dimensión de ambiente y lo cotidiano, es gracias a una pintura como la del alemán DAVRINGHAUSEN, que mírese como se quiera, continúa vigente.
En sus realizaciones, como en las de todos los adscritos a la Nueva Objetividad, se estructura otra forma de visualidad, un imaginario de lo grotesco, extravagante, cruel, etc., que es el trasunto constante y eterno de todas las épocas, aunque ahora es más osado y entronca con todas las distorsiones de su tiempo, sabe asimilarlas e integrarlas, imprimirles el sello plástico de lo vivo, de una realidad con la que se cohabita, y que tiene de racional depresiva y autodestructiva lo que se piensa de irracional.
Elabora escenas vívidas con un cromatismo que confronta y ajusta contrastes sin gestos, que acude a magnitudes distintas, a encuadres que completan la proyección del conjunto, para que a partir de la sordidez, lo turbio, se obtenga lo que contiene sin más agitación que la necesaria.
Y la nitidez figurativa es un propósito de unificación del pensamiento con la acción que va en busca del sortilegio de mostrar, exponer y acercar a la mirada la comprensión y el conocimiento.

Por el fantasma escuece su príapo,
pintarrajea el soplo o relaja el suspirante,
sábanas de cuyas aguas salen cien carazas,
orejas destornilladas, naríz en esófago de rana,

ojos cruzados con cáscaras gomosas, pisados
por el galpón que tirabuzona bien su cuerpo.
Chapuzón al asombro, levanta ínclito las sabanas
y las cestas mueven su medioevo en carcajadas.
(José Lezama Lima).