Un breve paseo por obras y artistas que infunden otra forma de mirar. Es una aproximación cuyo deseo es provocar otras emociones más íntimas y cercanas si cabe. Es una forma de mirar, otro modo de ver, un ardid para engañar, un truco para esperar, otra historia para seguir, un cuento de no acabar. Y de seguir sin perder de vista lo de más atrás.
Desde la Grecia clásica al arte se le atribuye tanto el carácter ilusoriocomo el verídico. Con el paso de los siglos mutó y derivó en algunas concepciones de una irrealidad concebida como real a pesar de ser ficticia.
En el caso de la china GANG el empleo del aerógrafo determina que su tratamiento plástico fuese endemoniadamente irónico y referente de un juego de androides que semejaban artificios de hipnóticas miradas.
Sus rostros y cuerpos tienen la simplicidad que les permite definirse como autómatas de coloridos lisos que en cada obra se preocupan de un brillo insinuante y regocijante.
El arte es un obrar de carácter estético y ontológico, fundador de un mundo y organizador de un espacio simbólico conforme a unos mitos de origen que son los mediadores entre el creador y la obra.
El peruano ARIAS se atuvo a esta divisa y su obra constituye un fascinante viaje plástico a través del tiempo y del espacio, retomando formas y materias, ritos y creencias.
Su universo es fascinante y al mismo tiempo un artífice de esas presencias que nunca vemos ni veremos si no nos situamos en la constelación cultural y étnica que las evoca, por eso el artista las hace posibles a través de una inmersión contemporánea en la magia y la leyenda.
Ante la obra de la argentina IVANCHEVICH podríamos preferentemente hablar de sus aspectos técnicos, de su significación en la historia de las artes plásticas y visuales o de su relación con el espacio.
Pero, sin embargo, lo que trasciende es su sentido de aventura, su encuentro con un cosmos de dimensiones indefinidas que nos hace ver más lejos del plano hasta llegar a insertarnos en él y desperdigarnos.
Hay una lluvia de contrastes, de pasajes ignotos, diversas escalas, continuos vacíos entre topografías enigmáticas que se acercan o se alejan, se muestran y se ocultan, dibujan y se esfuman, deshacen las formas o las vuelven a su origen mutante, a su pensamiento entre la geometría y su reverso.
Para una gran parte del arte contemporáneo, la materia es el cuerpo humano o animal y el objeto del discursos estético. Un discurso que se alimenta de innumerables fuentes y descubrimientos.
En la obra de la española BANBAN ha tomado forma una síntesis plástica de formulaciones figurativas que se fundamentan en el grosor tosco y el colorido de formatos de cómics, de hechuras barrocas y hasta clásicas.
Al final los cuerpos, las manos especialmente, son apéndices denotativos y connotativos de una frontera estilística entre lo animado y lo sarcástico, que se toma o se deja, pero no se espanta.
El valor más alto -así lo señalan- y más liberador en el arte es la transparencia. Esta última supone experimentar la luminosidad del objeto en sí, de las cosas tal como son. El arte no se refiere a algo: es algo.
Para el cubano VIDAL esa transparencia significó traspasar su sentido plástico y telúrico a una superficie que estaba a propósito para hacer brotar en ella una abstracción que la culminase.
Su quehacer fue laborioso, estableciendo rutas, direcciones, rasgos, excavando y raspando, manipulando, impregnando con un cromatismo rico en texturas y conmociones, en referencia a una materia viva que al final convoca al espíritu de la memoria.
Decía Maritain que en la obra de arte se encuentra el signo especulativo (la obra manifiesta algo distinto de ella) y el signo poético (comunica un orden, una llamada).
En la obra de la canaria MASSIEU, que sería injusto no albergar en nuestra memoria, la significación abstracta alcanza todo su contenido y comunicación, toda la transmisión de un compendio armónico de materia y cromatismo.
La pericia de su trabajo nos ofrece una impronta poética que se refugia en su propia expresión de luz y fuerza de un mundo, que se despierta modificando día a día su piel, la cual formará parte para siempre de una historia y de una vivencia.
Umberto Eco nos dice que una estética, que se mueve a un nivel puramente especulativo, quiere ante todo abrir una posibilidad de justificación a todo tipo de aproximación crítica, a través de una fenomenología de las estructuras formales y la definición de su campo de posibilidades.
Aproximación estética que apunta, como en la obra del afroamericano WATTS, a un acercamiento formal considerado en sí mismo, según criterios que se supone universales.
Y a un encuentro semántico que señala a una comprensión del contexto y a una finalidad que está en conformidad con el sentido y la sociedad en la que la produce, hasta conformar esa visión multicultural y singular que forma parte de su visión existencial y plástica.
Los planos cromáticos nítidos y de fuertes contrastes cobijan el signo, lo acunan dejándole espacio aunque lo encierren en él para que sea haga más enigmático.
La pintura del gallego MARTÍNEZ GARCÍAencuentra su vehículo de conciliación en una abstracción esquemática, con la que ofrece la mesura de un plasticismo generador de pictogramas de mágica incertidumbre.
Sus negros y rojos son como una divisa que desoculta entes y lenguajes que estaban sumergidos en su propio laberinto, que fluyen en un espacio hecho para ellos, donde puedan reconocerse y dialogar entre ellos y con nosotros.
En la obra del sevillano MARÍN han desaparecido todas las dudas, pues no le hace falta el equilibrio para el logro de unos hallazgos plásticos que son la explicación de un mundo que agitaba en su interior.
Su visión es una ruptura que parte de lo imaginado y de lo soñado, sin faltarle clarividencia y dominio técnico, el cual contribuye a la gestación de una vulneración entre la figuración y la geometría.
Los significados están patentes y son asombrosos pero no desesperantes, son acaso surrealistas sin llegar a extraviar los indicios, subrayan un numen que está coaligado con la creación.
¿Qué condición es la determinante de estos seres? Disfrutan de ser y manifestarse como son, de cómo su morfología ha sabido darles una naturaleza y unos sentimientos que les hacen contemplarse como criaturas sensibles.
La británica RYDER quería tenderse y asentarse en otros tiempos que no estuviesen anclados en la condenación persistente, que al crear esos entes híbridos pudiese irse con ellos a poblar otro mundo más fiel con su esencia.
Sus cuerpos no están hechos para envejecer sino para resistir, gozar, no claudicar, y sentir y vivir en espacios ilimitados, recorrerlos a través de senderos que les lleven a esa eternidad que no existe.
Vivencias Plásticas 
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