Un breve paseo por obras y artistas que infunden otra forma de mirar. Es una aproximación cuyo deseo es provocar otras emociones más íntimas y cercanas si cabe. Es una forma de mirar, otro modo de ver, un ardid para engañar, un truco para esperar, otra historia para seguir, un cuento de no acabar. Y de seguir sin perder de vista lo de más atrás.
Manifiesta Adorno que el éxito estético se juzga esencialmente por el grado en que lo conformado es capaz de suscitar el contenido depositado en la forma. Por mi parte considero que son ambos los que a la par deben suscitarlo.
Para el gallego LODEIRO son la gama de surcos cromáticos y las tonalidades sosegadas y armoniosas las que no incitan a navegar por la síntesis de una concepción fraguada en el poder incisivo de la dimensión más plástica.
Son como ríos, campos o mares algodonososque transparentan, además de su condición telúrica poetizada, una realidad constructiva que opera invistiéndose de un resplandor que fue el origen y memoria de otros horizontes impalpables.
El diluvio tiene las barbas blancas como el sauce de la jurisprudencia un domingo de bodas.
Cuando nos situamos ante obras como éstas nos preguntaremos con frecuencia si la sustancialidad metafísica penetra en ellas debido al alcance de su justa estructuración y plasticismo.
Para la catalana JORDÁ la acuarela es el conjuro con el que quiere manifestar sensación y pensamiento, llegar a la forma más acorde a sí misma para hacer ver que las penumbras son cromatismos que las iluminan aunque estén encadenadas.
Es una abstracción en la que lo fluido, mezclado, yuxtapuesto, solamente obedece unas iniciales consignas que en el proceso se van independizando, cubriendo sendas y recorridos, discurriendo horizontal o verticalmente pues el espacio, pese a que se rasgue, es su cómplice y hacedor al mismo tiempo.
A los que duermen no les rompe la luna por dentro.
El deseo de la totalidad estética sería el interés por una exacta estructuración de todo, partiendo de la base de que la construcción debe expandirse en una ilimitada posibilidad, la cual no sería posible, nos dice Adorno, sin una planificación individual.
Para el americano LENTSCH la materia es la hacedora de sueños y de orígenes, el destino informalista que hay que volver a reconstruir una y otra vez, renovando capas, texturas, arrugas, rayas, pigmentos, etc., hasta encontrar esa identidad compartida.
Si la gramática productiva del americano Jansen es iconoclasta hasta la médula se debe a que celebra su orgía plástica en el desenfreno y escepticismo del mundo que le rodea.
Cree en sí mismo y en lo que hace, después deje que se sedimente hasta que la contundencia y energía emitan una irradiación que congele la visión hasta hacerla ardiente y arrebatada.
Todo lo que contienen esos espacios simulados es tensión al azar, es hallazgo de un malestar herido que al destrozarse y fragmentarse en distintas partes consigue que la colisión funcione y que su plástica no se arrepienta de haber salido a conferir maldiciones y desenlaces.
No hay pérdida, sólo tienes que seguir la dirección, sumirte en su caos, hacer pausas, concretar el punto de la mirada, acercarte y alejarte, hasta tocar y sentir el pálpito de lo que ves.
Sin embargo, se ha dicho que las obras de arte están completamente mudas y desamparadas ante el ¿para qué todo esto?, ¿sirve para algo?, ¿es necesario?, ante el reproche, en definitiva, de su real falta de objetivos.
Pero las obras del argentino NOÉ lo desmienten y no paran de medir si estamos a la altura de la dimensión exigida ante su presencia física y espiritual, de su magistral sentido plástico, de sus vivencias cromáticas, formales y esenciales, de su ocupación de un lugar en un mundo proyectado para ellas, teniéndonos como accesorios obligados. Son construcciones que encajan mágicamente en el devenir y en el renovar de una fe en la propia y eterna sensibilidad y creatividad.
Lo extraño sirve para nacer de nuevo.
Y es preciso lastimar un Para Siempre hasta decir por fin Ahora.
Suscribía Adorno que raramente se ha dudado que la expresión sea un momento esencial en el arte; aun la aversión contemporánea por la expresión confirma su importancia y esto es válido para el arte en general.
Para el canadiense BELLEFLEUR los meandros expresivos lo eran todo. Movimiento, colores potentes, formas insinuantes, remolinos, revueltas, indicios más que suficientes de lo que puede estar sucediendo en unos espacios impredecibles.
Su escritura plástica está plena de hallazgos y emociones, de misterios y fantasías, que al conferirle tal poder en su visibilidad sugiere las texturas de unos entramados que solo se necesitan a sí mismos.
Señalaba Adorno que la exigencia de objetivación de la obra de arte se convierte en un daño para ella misma. Por esto todas ellas, aun las menos figurativas, están profundamente penetradas de ilusionismo.
Sin embargo, aunque quizás los retratos del madrileño PRIETO estén cargados de ilusionismo, al penetrarnos parecen reales, porque sentimos su presencia física, amenazante, con esas tintas crepitantes que hacen que esos sujetos sean el habitante hostil que ha tomado carne y sangre.
Esta indagación situada en un espacio ficticio nos acerca a unas mutaciones que no cesan de acosarnos con sus semblantes plásticos, táctiles, que no dan tregua al incesto óptico de una mirada aterrada y asombrada.
Decía Adorno que las heridas que en el arte causa la abstracción sólo pueden curar cuando se intensifica la misma, ya que así impide que los fermentos conceptuales se contaminen de realidad empírica: el concepto se convierte en parámetro.
El colombiano VARGAS así lo ha entendido e interpretado, dejando que los remolinos, superposiciones, vuelos, confrontaciones, diálogos, sean una concertación figurada de colores sueltos, mezclados, impuros, señalados para la vida, en la que representan un renacer desde la nada.
No dudan de la textura de sus trazos, de las manchas vigorizadoras, de las sensaciones que originan, de las tramas con que iluminan y se esconden, del bullicio que arman, de la pasión con la que se expresan y contagian, del frenesí que ya es incapaz de cesar.
JUSTMAD hace escala en Madrid un año más y en esta edición seguimos percibiendo y apreciando esa lucha de todas las experiencias visuales, los espacios inventados y las averiguaciones de las que hablaba Carl Einstein.
Quizás después de este período de ausencias desguazadas por la pandemia las sensibilidades artísticas habían llegado a entrar en un laberinto de desencuentros y abandonos. No ha sido así afortunadamente, pues las sorpresas de todas las manifestaciones, dada su índice, tendencia o configuración, han sido muchas a pesar del contexto y la dimensión de la muestra.
Las referencias y fuentes plásticas y estéticas -quizás ya inevitables-no disipan una aura de creatividad que ha sido regular y constante, dando lugar a experiencias visivas que han recuperado la sensación y la ontología del hecho artístico en toda su multiplicidad y polivalencia.
Cierto es que hay mediaciones, pero no son muchas y no están sobrecargadas, lo que permite abstraerse de ellas y experimentar la producción global en sí misma y con la inmediatez necesaria. Y también hay que subrayar el esfuerzo por parte de la organización y de los autores de avanzar en su trabajo, de hacerlo condición de sí mismo y de su identidad, de generarlo evolutivamente conforme a unos orígenes y significados de inicio.
Autores: Christofer Miralles, Arol, Iván Villalobos, Javier Félix y Emilio Cárdenas.
Cuando entramos en una gran muestra y exhibición de arte debemos recordar las palabras de Carl Einstein, relativas a que es precisamente la significación de cada obra de arte, su lado arbitrario y alucinatorio, el que nos salva del mecanismo de una realidad convencional y del engaño de una monótona perpetuidad.
Así es que con un cierto ánimo desangelado calibraba los distintos espacios de la nueva edición de ARTmadrid 22 y trataba de aliarme con un optimismo que todavía tiene a la pandemia agarrada de la cola pensando que es vital desprenderse de ella. Tenemos que volver, no obstante, a tomar en consideración aquello que decía Garb respecto a que la actividad de mirar tiene que ver con el modo en que se nos ha enseñado a vivir como hombres y mujeres. Lo penoso de la situación es que todavía, haya o no haya crisis, no hemos llegado a ese punto.
Como notas características de este acontecimiento podemos señalar la ausencia de los llamados clásicos del siglo XX, especialmente hispanos, la buena nueva de artistas jóvenes y emergentes, si bien aún un tanto noveles aunque con fuerza y proyección, y unas tendencias artísticas (pop, abstracción, realismo, open-art, geometrismo, hard-ege, etc.) que tratan de sobrevivir y reciclarse a trancas y barrancas a la espera de encontrar un resurgimiento que las traslade a otros confines estéticos
No obstante, el futuro está ahí, casi a la vuelta de la esquina, clamando porque la fuerza del arte no pierda vigor ni visibilidad, ni se convierta en una más de la ahora famosa y así llamada cultura de las artes visuales, con lo que quedaría disipado, disuelto y la hora de verdad muerto.
Vivencias Plásticas 
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