Vivencias Plásticas

THOMAS REHEISSER (1977) / ¿QUÉ ES LO QUE ESTÁ CRECIENDO EN MÍ?

Romántico, decía Carl Schmitt es aquel que de forma «ocasionalista» toma la realidad respectiva como ocasión para desencadenar imaginariamente su propio yo, quizás por el horror vacui, añado, el hastío que crece hasta el horror (Kant), por una existencia vacía de sensaciones en el ánimo.

Así es como el francés REHEISSER pinta la figura humana, en esa oscuridad que la va absorbiendo e inmovilizando conforme ese vació se va adueñando de ella. Cuerpo y carne, en su conformación y texturas, han devorado al alma que queda desaparecido en una nada callada.

Que un artista afronte esta dimensión existencial con un retrato que se multiplica en el interior de un espacio a modo de celda, es una exposición metafórica y alegórica de un ser que nunca ha encontrado su destino por una fatalidad que le ha condenado.

Brazos, piernas, enclenques, surgirán como rayos
destrozando la vida y anhelando la muerte.
(Alfonso Costafreda)

BRUCE CONNER (1933-2008) / NADIE LO QUIERE

Vivencias Plásticas

Decía Picasso que el arte es una mentira que nos hace ver la verdad. ¿Qué verdad? Quizá la obra del norteamericano CONNER haya sido una de ellas, una muy iconoclasta y repugnante, neodadaista incluso, aún admitiendo la opinión de otros en cuanto que es aquel que ha dado la puntilla al llamado arte contemporáneo.
En su día hasta el mismo Kropotkin señalaba que había que fundar nuevos enfoques que llevasen al simbolismo y a la abstracción. Este autor, en el presente, diría seguramente que lo importante es la destrucción de los mitos en que se apoya la sociedad contemporánea.
Respecto a esta propuesta todas las opciones son posibles excepto las que signifique una construcción estilística porque ya no es necesaria. La estética va por otros cauces, los que culminan en la creación de marcas y conceptos.
Cuando llegas con la palabra
a buscar entre los recuerdos
ya la suerte está…

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RAPHAEL SOYER (1889-1987) / NO NOS DEJEN AQUÍ

Al americano nacido en Rusia, SOYER, lo encasillaron en el realismo social, en ese realismo que, según George Schmidt, es el ver y expresar las contradicciones que se dan en la estructura social de una época con el fin de lograr su superación.

Pero en estos retratos la crudeza no hay manera de solventarla, no hay medio de desplazarla de un destino que se ha estrellado contra la carne y el espíritu. Las marcas son tan penetrables que tocamos fondo sólo con acortar la mirada y posarla en sus rostros y cuerpos.

Nos contagian la sensación de un relato ya acabado desde su inicio, desde el momento en que el artista ha empezado a hilvanar sabiamente en el soporte la derrota, la soledad y el desamparo, presintiendo una muerte tan ignorada como su propia existencia.

La soledad es un largo suspiro entre lo solo y lo solo.

(Roa Bastos)

CHRISTOPHER WOOL (1955) / NO RECUERDO MIS ORÍGENES

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No se puede entrar en pormenores cuando la dialéctica bélica de que hacen gala los protagonistas se narra entre borrones, manchas, trazos y líneas neutras.
- Es el producto de gestos fieros y agresivos que se esgrimen para suprimirse unos a otros y viceversa. Aunque el artista, como en este caso el americano WOOL, cuando quiere desvanecerse, decolora, pero cuando desea remontarse a sus orígenes remarca y estrecha líneas. Su filosofía existencial se corresponde con una praxis plástica que deconstruye laberintos en orden a difuminar genealogías y salvar sus fuentes informales.
  - Por ello nos hace seguir pautas indecisas, avanzar a oscuras, desentrañar ilusiones presas, evocar infancias en círculos sombríos, transformar pensamientos habitados en parajes desnudos y visualizar paraísos narcotizados y en trance de descongelación.
    - Si es verdad que su obra rememora aventuras precedentes, también lo es que el viaje tiene estaciones distintas, soliloquios febriles y una colonización que se abstiene de…

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CARLES PLANELL (1927-2008) / UN BUEN RECORRIDO

Antes, siempre había un más allá. Pero a la llegada de la modernidad y más en la posmodernidad, se produce una confrontación con una finitud sin un sostén metafísico, lo que rechaza el catalán PLANELL.

En su caso, el hacer sale entre las brumas de una oscuridad que ya de por sí registra el carácter enigmático de un mundo de incógnitas que no tienen más respuesta que la visión despojada de toda exaltación.

El conjunto guarda una simetría y ordenación con vistas a que lo simbólico y su filiación poética penetren en el anhelo de una mirada que está hambrienta de esa dimensión y de su significado, el que viaja más allá de continentes y contenidos.

La realidad sólo puede ser vista y sentida en todas sus dimensiones con el prisma de las más locas fantasías. Tal vez por eso se suele decir que la imaginación es prismática, capaz de ver el polvo matemático por más lejos que vuelen sus nubes impalpables.

(Roa Bastos)

EDGAR PLANS (1977) / NUNCA ME HAN ESCUCHADO

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WÖLFFLIN sentencia que explicar un estilo es localizarlo justamente en la historia general del tiempo y comprobar que en su lenguaje las formas artísticas coinciden en su sentido con lo que dicen otras expresiones de la época.

Respecto a la obra del madrileño PLANS, que encaja en lo señalado anteriormente como un guante, no sabemos si son sueños nocturnos escondidos o disfrazados o un resultado de la fantasía diurna que se abre como signo fabulador, anticipador y latente.

El resultado es que hace del espacio un hervidero de energías y claves, de entidades mínimas y de significados sonoros, de encuentros y caos, de historietas desatadas cuya visión nos induce a formar parte de ellas para que nos transfieran su verdad o mala leche.

Salió del laberinto por levitación natural. Fue allí donde concibió su teoría de la duda metódica y su famoso apotegma cogito, ergo sum, fórmula hoy invertida en…

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MIGUEL PEÑA (1951) / ¿QUIÉN HA ABIERTO LA TRAMPILLA?

Mientras que el espacio no representa más que un orden posible de objetos materiales, el tiempo es un orden posible de sucesos. Y en esta serie cada imagen se inscribe inicialmente como atea y al final se sacraliza física y temporalmente por su propia apostasía e impostura.

Decía Ernst Bloch que un colectivo tiene la tarea de salvaguardar lo individual intransferible de cada hombre, de asegurarlo, de ayudar a desarrollarlo, en vez de desecarlo y aplastarlo. El colectivo tiene que partir de los individuos y no puede anteponerse ni estar por encima de ellos.

En lo que se refiere al talento pictórico del madrileño PEÑA, después lo anterior, entiende que ya no hay ningún compromiso en anteponer a nadie, por el contrario, le sale como un gesto airado y paródico que a la hora de organizar, registrar y clasificar lo plasmado, transmuta la percepción humana en un bestiario lúdico con la maldición híbrida y la lujuria bien pensante. Bien claro queda que estamos todos y ninguno.

A veces lo esencial es lo más simple que escapa de las rejillas de nuestra percepción.
(Roa Bastos)

BERNARDO TORRENS (1957) / EL MISTICISMO DEL DESNUDO

Vivencias Plásticas

Al español BERNARDO TORRENS los cuerpos le piden la desnudez y la inmovilidad para que el éxtasis místico les llegue con mayor espontaneidad, sin que tengan que esforzarse ni diluirse. Quieren ser carne limpia, sin arrugas, que desprenda espiritualidad porque la negrura ya ha quedado atrás, no es más que un fondo que raya lo invisible.
- Y efectivamente, con el arrobo se exterioriza en la piel y en el modelado de las figuras la belleza sin atributos que el artista propone como síntesis de la armonía que debe presidir la ambición de ser y estar.
  - Las imágenes no confunden ni inspiran desconfianzas, ni tampoco concitan reflexiones, son instantáneas de plasticidad concebida desde una dimensión que nace y se forma a partir de esqueletos, tejidos, sangre, órganos y músculos.
  - Y a partir de esa contemplación ascética, hay también sensualidad, voluptuosidad, erotismo, elementos todos ellos que el autor hace integradores y no…

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ANTONIO PARRAS BELMONT / HOY NO SE QUEDARÁ NINGUNO

Kandinsky lo dejó bien claro: «en principio no tiene importancia si el artista emplea una forma real o abstracta, pues lo más importante en la cuestión de la forma es si ésta ha brotado o no de una necesidad interior.

Para el ilicitano PARRAS, tanto en su obra pictórica como escultórica, de corte figurativo, primero es la observación pausada de una realidad exterior, después la trasmuta y procesa como una secreción fantástica desde la que se posiciona simbólicamente y hasta surrealmente.

Mas es toda ella es fruto de la angustia que ha crecido en él y en su visión de una humanidad que anda con los pies cambiados, que no es capaz de reinsertarse sino es con el agobio y la degradación bailando sobre ella, incitando a su locura debajo de una sábana que no llega a cubrirle del todo.

Lo imposible no es sino la cadena de posibles que no ha empezado en desencadenarse aún.

(Roa Bastos)

KAY SAGE (1898-1963)

Vivencias Plásticas

Se empieza buscando una nueva luz en el acervo plástico, se continúa después en la búsqueda de una memoria que creíamos perdida y se acaba encontrando paisajes astrales que emergen de una infraestructura constructivista recelosa del orden arquitectónico convencional.
- Las obras de la artista estadounidense Sage abren perspectivas desnudas, construcciones que poetizan soledades, panoramas vírgenes desprovistos de reverberaciones y ecos, visiones que se agotan en sí mismas. Son monólogos corales que toman alojamiento en nuestro imaginario, que hacen vida allí y que nos susurran lo cerca que estamos, sólo a un corto viaje de sensaciones y vértigos impenetrables.
  - Para unos quizás sean fantasías escapistas, para otros refugios donde metamorfosear las tribulaciones de una realidad angustiante, pero lo cierto es que renueva espacios visuales que son y serán necesarios en nuestros naufragios de cada día.
  - A mi amigo Humberto le digo que si el Malecón únicamente puede manifestarse al hombre en…