Vivencias Plásticas

Los efectos visuales, en estas instalaciones del cubano PARDO, catapultan las sensaciones de ambientación en otra esfera de lo habitable. Son los objetivos que el autor enmarca en un proyecto de captación e inserción totales de la mirada.
Tanto es una búsqueda de luces como armonías, de fantasía como de un despliegue de recursos que se bastan por sí solos para estructurar la ornamentación de unos espacios que requieren otras fisonomías.
Es otra forma de encarar el arte, de conferirle una aleación de color y fuego, de transmitir lo visivo sobre bases de celebración de la alquimia estética.
Dolor de artuña balará la España
eternamente por tu muerte huraña,
y una tarde de tregua y desperezo

saldrá de una trinchera tu alma sola,
para poder dormir a la española:
orgullosa la frente, y el pescuezo.
(Mario Trejo)

Decía Pascal Quignard que si no aceptamos el abandono, la angustia, la pasión y la noche de la agonía, no somos más que imágenes infieles, piedras de desecho mal talladas que encajan en el edificio y que ya no sirven para nada.
En las imágenes del cubano LÓPEZ PARDO la ansiedad, la soledad y el desamparo, la querencia y una noche de trance y amargura se hacen visibles y reales. La oscuridad de una naturaleza misteriosa lo envuelve todo, especialmente esos bohíos que todavía no han desaparecido y que son el hábitat del desconsuelo y la desesperación.
El impacto de estas obras nos deja con la mirada puesta en un avatar que sabemos que no es imposible, que se perpetúa, que no hay luz que lo ilumine, sino un tiempo sombrío que sigue estando vigente, que es una poesía en vías de dar fondo a unas tinieblas que no repican ni redoblan, acallan y malviven a pesar de su aureola plástica.
Echaré a caminar
por un camino de moderado polvo,
preferentemente al atardecer,
y por sorpresa, sin darle tiempo
(aunque todo haya sido
calculado con tiempo),
retrataré a mi sombra.
Quizá por ese atajo
descubra los contornos de mi muerte.
Será como mirarla.
(Federico Peltzer)

Tenemos mala memoria y solemos olvidar a nuestros históricos, los que facilitaron la transición, los que marcaron pautas y derroteros, los que dieron testimonio y buscaron las formas de adaptarlo a él sin caer en costumbrismos o tradicionalismos ya caducos.
TELLAECHE es un artista vasco comprometido con su entorno, con sus gentes, con su ambiente y modos de vida, de los que él obtuvo una manera de enfocar su trabajo con el vigor que emanaban, sin perderse en accidentes o en historias edulcoradas. Su pintura, recia, sombría, da un fuerte volumen a lo que es esencial desde un entendimiento plástico de lo que es tierra y época, hasta sobrepasar su superficie.
No incurre en filigranas, su cromatismo es sobrio, austero, a tono con el precio que hay que pagar por vivir en determinadas circunstancias, y su realismo se decanta por serlo más que nunca.
Cuánta pasión que reclama con ahínco su contrario
para asomarse sobre el risco de la soledad
cuánto infortunio, amore mío, cuánta luz
en la sombra, sin alumbrar a nadie
y cuánto tenebroso y necesitado de esa luz.
(Miguel Brasco)

Dice Castro Flórez que la mejor de las subversiones es la que desfigura a los códigos en vez de destruirlos. Añado que también la que se los salta o la que los hace saltar y hasta bailar, que lo mismo da.
Y para qué hablar de la filiación plástica y cultural si en la actualidad la identidad de una y otra no es algo fijado, sino siempre híbrido (Stuar Hall).
Penone señalaba que ser escultor es ser río. Pero se olvidó el que ser artista, como en este caso el uruguayo LAZARINI, es delirio, pasión, caos, desestructuración, emoción, éxtasis, fantasía, análisis, crítica, enajenación y hasta desatino. Su obra es para gozarla en todos los sentidos y en todos los términos. Es callejera, provocadora, creativa y festiva.
Con la piedra en la frente,
el hombre cumple ciclos de soledad,
remonta una vejez inmóvil que no tiene cifra.
Donde su luz no alcanza,
el corazón oficia como ciego lúcido:
tembloroso, sonámbulo,
a tientas entre signos que soplan un nombre de tiniebla.
(Jorge Enrique Ramponi)

Lo físico, la materia, puede convertirse en texturas etéreas, buscando un lirismo que renueve la mirada con esa ingravidez que mancha nuestras superficies.
Lo que pretende la abstracción de la barcelonesa RAMONEDA es deshojar las evocaciones, dejarlas como signos rugosos de unas vivencias que se han quedado en el espacio como un rogatorio de huellas y gemidos, de paisajes y vidas.
Una abstracción que desoye gritos y tumultos, solamente invoca, alude e insinúa. Cabe incluso que sean murmullos del ojo o letanías de cuerpos mutilados.
Hay una poética de lo informe, de lo que únicamente es rastro, de lo que no puede ser otra cosa que un ánimo que siente una bruma que se aplaca rasgando, arañando, penando.
Yo hijo de labores incompletas y regiones extrañas
hijo de sementeras errantes y de matrices ansiosas
hijo de hembra fosforescente
no quiero morir bajo mi piel
bajo mi voz
para vociferar en la sombra tras esos ventanales inmensos
y empañados donde apoyan la frente criaturas de
muralla y de lluvia….
(Enrique Molina)

Matise le confesó una vez a Gillaume Apollinaire que nunca había escapado de la influencia de otros. Idéntica confesión podría haber hecho, sin menoscabo ninguno, el artista barcelonés PRUNÉS, que en su obra nos muestra, con una geografía admirable del color, como en los tiempos de la soledad caben metáforas indestructibles.
Grandes espacios, globos suspendidos, mansiones aparentemente deshabitadas, como si hubiese una historia que ya no existe ni nadie para contarla. Solamente la plástica de unas imágenes desesperadamente bellas en su ocaso.
No se encuentra únicamente una serena factura visual en estos trabajos, perfectamente concebida y pensada, sino la determinación de llegar a una simbología del lugar inexistente -aunque no lo sea- de tan solitario y al mismo tiempo tan permanente.
Olvídense de mí, de mi caliente
sistema muscular, de mi apellido
perdiéndose detrás de lo perdido
con una arruga en medio de la frente.
Juan G. Ferreyra Basso)

Si es verdad lo que manifiesta Fernando Castro Flórez respecto a que el arte contemporáneo quema su último cartucho en una dilatada desaparición en la que pretende recuperar lo fascinante y lo que en realidad ocurre es que los gestos quedan presos de la comedia de la obscenidad y la pornografía, regresar a la obra de un expresionista como el belga VAN DE WOESTYNE es una de esas ocasiones en que se vislumbra lo que siempre ha sido esta devoción.
Son rostros perennes, tallados, que se asoman hacia aquello que no entienden, que no creen estar y ser, que malviven porque no carecen de auténtica vida.
Y en ese sentido, la construcción figurativa y cromática ofrece los valores concretos de esa significación que nos aguarda ante su presencia y mirada. Es fiel a la deformación que se origina en el pensamiento del personaje o, quizás, a su falta de pensamiento, simplemente a su sentir y resignarse.
Y la coacción subyugadora y densa
en que al becerro de oro se entroniza,
a la inopia mental halla indefensa.
(Carlos Obligado)

Decía Jean Paulhan que lo propio del artista es impugnar toda teoría sobre el arte, por sutil y probatoria que sea. Entre otras cosas, digo yo, porque cuando se emplaza en su trabajo y proyecta, en lo último que piensa es en una teoría sino en cómo dar cauce y expresión a su talento creativo.
También se aduce por algunos que el problema básico del lenguaje moderno consiste en superar la visión de la perspectiva renacentista, lo cual es muy relativo en tanto el signo pictórico sea un compendio inaprensible.
El neozelandés MACDIARMID es ese ejemplo de creador múltiple, híbrido, capaz de sostener varias indagaciones plásticas en distintos momentos con resultados vibrantes, significativos y absorbentes de todas las innovaciones de su tiempo paralelas a su trayectoria. Figuración y abstracción buscándose y acoplándose, alimentándose y dando vida a ensayos pictóricos envolventes.
Esos extraños rostros,
voces desconocidas,
esas vidas ajenas y lejanas….
¡Cómo nos hacen daño!
(Héctor Pedro Blomberg)

Estas imágenes, más allá de su simple reproducción, conducen a la fascinación, a un estar en una localización distinta, en un lugar en el que la luz y el agua formulan un ámbito paradisíaco, casi imposible de encontrar.
Juegan con una fuerte irradiación plástica, con un sentido intransferible de óptica, encantamiento y erotismo. La mirada queda atrapada en el ayer que es hoy y en su evocación de lo que pudo haber sido.
Si entráramos en esas aguas tan puras quizá nos volcásemos en un amor de encaje y espuma, de fino pañuelo desmayado, sin saber que es la pintura y su ilusionismo el que confiere a esas obras una historia que señala un desvelo intransitado y fugaz.
El mundo, ¿es una vasta tragedia dolorida,
digna de que el poeta la enaltezca en su canto,
o es, como me susurra la voz del desencanto,
una farsa vulgar, grotesca y aburrida?
(Enrique Méndez Calzada)

Una comarca montañosa de ensueño nos puede definir dentro y fuera de ciertas fronteras, con una naturaleza que nos infunde ambiguas respuestas, saltos, búsquedas, soledades, una sensación metafísica que rodea al humano hombre repetido a sí mismo.
No es un marco realista ni muchos menos fotográfico, es una concepción muy personal que entronca con las propias reflexiones del autor dentro de un ámbito determinado, esa comarca, que es la que da origen al todo y a la nada.
De que el madrileño RISUEÑO toma su propio hilo conductor de su historia no requiere dudas, únicamente requiere compartir un imaginario que nos es tan afín, tan plásticamente concentrado en lo que es una pintura muy reciamente española.
De ese desconocido que ha cruzado la plaza
los recuerdos más tristes quisiera recordar.
Llenarme de otras vidas, otra luz, otras muertes…
¡No ser este hombre solo frente a la eternidad!
(Conrado Nale Roxlo)