WILL BAUMEISTER (1889-1995) / NO ME SELLAN EN LAS ADUANAS

Otro gran pionero de la abstracción que visita este blog con ánimos de obsequiarle con los signos e ideogramas que le permitieron salvar fronteras y no pagar aduanas.

Pese a esos dibujos monocromos en blanco y subrayados negros, las derivaciones, sinuosidades y convergencias tienen voluntad propia para desviarse, volverse a encontrar, perseguirse, esconderse, sentarse a esperar y siluetearse.

Pero si irrumpe el color, la fiesta ya está completa, porque a través de sus vehementes pigmentaciones las formaciones encajan, se construyen en mapas luminosos que sitúan la localización de sitios imposiblemente soñados o propugnan una sublevación microbiana.

La abstracción es por sí misma la naturaleza de la indefinición ya que de rematarse se desvirtuaría, perdería su condición de paradójica definidora de los vocabularios que enuncian letras de otro contexto semántico y artístico. Las mismas que se valen para constituir un montaje inteligente de resolución de problemas espaciales, técnicos e idiomáticos. Y la consumación es en la que se vislumbran con nitidez los límites de las imperfecciones logradas.

El alemán BAUMEISTER lo consiguió en cierta medida, incluso nos legó la visión de más horizontes y menos fronteras, en buena medida gracias a que los términos de su obra carecieron siempre de confines.

¡Mato al tiempo-hombre con el tiempo-medida! Mas repentinamente se dio cuenta que su muerte no sonaría en la ciudad, sino como el leve crujir de un huevo vacío. Y desistió (Alberto Vigil-Escalera).

>XAIME QUESSADA PORTO (1937-2007) DESTINOS ENTERRADOS

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  • Un aullido sordo taladra un eclipse de tinieblas. La memoria visual de la guerra santa instituye su lógica interna: la tortura, la matanza, la destrucción.
    • No ha lugar a ambiguedades y dudas, a rechazos y retóricas. Se calibra uno a sí mismo cuando ve el desgarro de esta obra del gallego QUESSADA.

      • Antes de perseguir el destino de estos aconteceres temáticos, deberíamos introducirnos en esos cuerpos y espacios víctimas de un color sanguinario y fúnebre, aspirar la densidad de su respiración y desasosegar la mirada impartiendo lecciones al olvido.
        • Es una pintura por y para la rememoración, por y para la conciencia visiva, para, en definitiva, un memorial plástico de agravios y violaciones, de letanías y pasquines.

          • Soportar la visión no es suficiente, cabe más, mucho más, un estallido de la contemplación es lo propio, lo que demanda un conocimiento del mal cuando se refleja con sabiduría y certeza y con el armamento técnico adecuado e inofensivo. Que quepa un réquiem al final, eso queda para cada uno y su código de visitas.

            • El mapa del mundo parece hoy el plano de un gigantesco cementerio. El cementerio de los mal y vilmente muertos. Y estos muertos reclaman sus años de vida frustrados, sus amores que no fueron, sus obras que no cristalizaron (Alberto Vigil-Escalera).

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GREGORIO PRIETO (1897-1992) / ENTERRADO

Entre sueños clásicos, paisajes oníricos, estatuas orientales, autómatas, visiones enterradas, discurre la obra del español PRIETO.

Infunde un soplo de sensaciones incontenibles ese sentido escénico, de colores precisos que encuentran la senda temática a la que imbuir de un alarde mágico y luminoso.

Como si hubiera nostalgias, se suceden las representaciones bañadas en la suntuosidad de la forma y su plasmación, en la generosidad de un imaginario que bebe en fuentes inagotables.

Llegó hasta alcanzar la culminación de crear una sinopsis de una formulación cargada de resonancias y ecos, de emociones pegadas a la realidad pictórica de lo que se quiere transmitir. No abarcaba más que lo justo, lo imprescindible, pero lo hacía desde una posición plena de realizaciones sobresalientes.

Nos dejó la mirada integrada en recreaciones oníricas, misteriosas, con un halo poderoso abierto a imaginaciones visibles e inolvidables.

Para él era como un letrero luminoso colgado del cielo que decía: ¡Mátate!, y que se reflejaba múltiple en las aguas puras de la fuente. Y su pensamiento asoció: reloj, luna y orden. Y pensó en el suicidio (Alberto Vigil-Escalera Alonso).

>ARMAN FERNÁNDEZ (1928-2005) / POSESIONES

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  • En el arte existen todo tipo de interrelaciones, casi siempre las que se derivan de las circunstancias más íntimas pero también las que forman tu acomodo vital y social.
    • Y también que, una vez se ha proclamado que cualquier cosa puede ser una obra de arte, de poco sirve preguntarse si esto o lo otro pueden serlo, ya que la respuesta será siempre afirmativa. Tal vez no sean obras de arte, pero podrían serlo (Arthur C. Danto).
      • Por tanto, es evidente que no podemos escapar a factores culturales, ni a los significados de los acontecimientos históricos, políticos y económicos que condicionan medios de vida y de muerte.

        • Partiendo de esas hipótesis el francés ARMAN idea su tesis, la de que la acumulación y la posesión nos ha metamorfoseado en seres indigentes, sea todo lo equívoco y paradójico que sea.
          • En seres carentes de la perspectiva capaz de pensar y ver por encima de los objetos. Y no es porque esa crueldad se manifieste clara en un espectáculo visual de armazones de costura femeninos transparentes y clorofilados, que no ocultan de qué se componen sus órganos, sus miembros, la calidad y cantidad de sus vísceras corrompidas.

            • Es porque nos han y nos hemos confundido arteramente: el sentido extremo de posesión con la legitimidad y profundidad de la materia, el ansia alienante de acopio con el elemento corporal que es la entraña visiva de la proyección visionaria, inteligente, estética y abierta.

            • La obra de este artista, tan inmediata, así lo demuestra, incluyendo ciertos regodeos lícitos sobre nuestra propia condición de consumistas airados y vacíos.

            • Y es cuando el tiempo-hombre es cuchillo que descuartiza al cuerpo-hombre, un perdido en esos tenebrosos laberintos que son los misterios de los muertos (Alberto Vigil-Escalera).

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VINCENT DESIDERIO (1955) / MIRADAS PLÁSTICAS

El realismo, aunque nos parezca obvio y gastado, sigue penetrando en el corazón de la materia, la continúa fustigando de acuerdo a un código no escrito.

Si el americano DESIDERIO se sirve de ese modo es porque esta semántica pictórica tiene en su entraña propuestas que postulan un contenido palpitante hoy mismo.

Sin esa rotundidad de carne confundiendo la soledad de unos espíritus, sin ese patetismo cromático que infecta el dibujo, la forma, no habría ese esplendor de cuerpos conscientes de la consumación plástica de lo efímero.

Es la transparencia de una sociedad que culmina en el agobio, en una humanidad que ha dejado de analizar la nada, sobrevive a ella desnuda durante un tiempo y vestida con mortaja el resto.

De negarnos a dar por estéticamente válida esta pintura de pieles maceradas, estaríamos perdiendo el eco de nuestra época, la confesión de una realidad que se enrosca en la mirada huidiza que busca evadirse en otra historia y en ningún final.

Bramido negro, veteado en azul de azufre ardiente, la voz del hombre insulta. El mar, seguro, avanza, envuelve y se retira (Alberto Vigil-Escalera).

>OSCAR DOMÍNGUEZ (1906-1957) / NUNCA HE TRAICIONADO

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  • Otro canario que se me había pasado por alto, DOMÍNGUEZ, el inventor de la delcacomanía y de síntesis que han perdido la razón pero nunca han traicionado.
  • Éste ha sido un gran urdidor, no cejaba en la búsqueda de tramas y conjuras, eran apariciones que no dejaban de emerger y de latir. No se conformaba con saber hallarlas, había que adulterarlas con la angustia permanente, con el sentido inmanente, insondable que se agita en el fondo del vaso.
    • Dinamismo, decisión, vértigo de lo preciso que anida por debajo, que huele a desprendimiento, a impiedad del perdón. No hay esperanza, se ha quedado ciega, y por eso crea un hombre de pesadillas, de oscuros templos en los que celebrar ceremonias jubilosas sin espíritu.

      • El suicidio truncó formas, pasiones y paisajes cromáticos, visiones de un vivir gastado y destruido. Allá quedó, donde el tiempo es un cero que engendra, y troncos, raíces y ramas bastan a la naturaleza para construir un caballo (Alberto Vigil-Escalera).

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FELO MONZÓN (1910-1989) / FORMAS FUSIFORMES

En mis referencias pictóricas aparece este canario, MONZÓN, glosado como un paisaje irreal, unos ecos mágicos, unas formas fusiformes o una soledad calcinada.

Sin embargo, a mí me resulta un arcano vivo arropado en su mitología étnica y geográfica, un enigma que requiere de la historia, del biotopo y del ecosistema a la hora de la explicación de esa formación de cuerpos de lava, de signos culturales paralelos.

La riqueza idiomática no se escatima, se muestra virgen, impoluta, como una república secreta que sale de la agonía en la que la enterramos.

No hay miradas que sepan soslayar esta oda sonora y épica a la tierra y sus criaturas, a los seres que gracias a este artista brotan desde las profundidades volcánicas. Nada es tan cierto como estas quimeras que hemos de ver, después mirar y más tarde contemplar.

Sin evocación no existe el efecto de un resarcimiento que es exigible en lo visual y en lo estético, en lo que observamos y dejamos pasar, en los hábitos de nuestra cultura y en los repertorios de nuestro imaginario.

La lógica de los problemas es como el colorido brillante de las flores. Losa teoremas son fieras que hay que domar con el látigo firma de la demostración (Alberto Vigil-Escalera).

>ANTONIO CALVO CARRIÓN (1921-1979) / ESTAMOS DE FIESTA

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  • Hoy, día último de año, nos visita otro artista español inolvidable, CALVO CARRIÓN, provocador e intensificador de nuestro potencial más imaginativo, que nos trae su obra con el fin de que no nos sintamos sin espejo.
    • En ella lo indeterminado ha adquirido una dimensión próxima, configuradora de una visión entre el presente y el pasado como condición de acceso al futuro. Sabemos que la percepción, en cuanto humana, está llena de significaciones, y éstas están maravillosamente desnudas.
      • Vemos y apuntamos hacia una dicción del yo en su traslado del tótem, aunque quizás nos engañemos y sea nuestra mirada la que se enfrente con nuestras propias máscaras en las que ocultarnos, ésa a la que se refiere Sartre cuando asegura que Dios es la soledad de los hombres.

    • Es, por consiguiente, un manifiesto de que la libertad para contemplar, sentir, transformar y esperar sigue intacta, zaherida y amenazada, pero intacta. Por eso, este autor dio con esas facetas iluminadoras de lo humano, de su lucha contra la alienación, de sus victorias y derrotas, de sus silencios y mentiras, de sus ruidos y verdades.

    • Juntándose, las palabras bailan sobre la playa para componer su frase: el hombre es un comodín que eleva siempre la jugada (Alberto Vigil-Escalera).

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CRAIGIE AITCHISON (1926-2009) / CRUCIFICADOS

Carente de miras aparentes, este artista escocés se decantó por la condición menos superficial, se inclinó por la más íntima y escasa de volumen, casi precaria. Y en cambio, resultó una penetración en la soledad más recóndita, un grito mudo al mismo tiempo que una oración callada, cuyo hermetismo se transmite como un sonido reconocible, como una secreción guardada en su insignificancia.


Ciertamente los dioses no son los únicos crucificados, los somos todos aunque estemos en el mismísimo infierno. Y esa totalidad asume la plástica crueldad que se visualiza en los rasgos simples y cromáticos de una imagen endiabladamente inteligible y emocionalmente insoslayable.

Se agarra uno a ellos como el ensamblaje infantil de una mortificación que parece sucinta pero ampliable a nosotros, espectadores, tal si fuésemos el entresijo icónico de un mundo que cambia el sumario ceremonioso de sus creencias por la ingenuidad pintada de los valores sujetos a una significación polivalente.

Son signos distintivos de algo que no se repite, pues de hacerlo iría, como decía Picasso, contra las leyes del espíritu.

Las venas se saben la cuerda de la tramoya. Y no hay ya meditación. Hay acción. Se funde, sobre el horizonte plano de la playa, el hombre que medita y el que blasfema (Alberto Vigil-Esacalera).

>PIERRE ALECHINSKY (1927) / NO ENCUENTRO LA LETRA

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  • Este miembro de COBRA narra cuentos con la espontaneidad de una cigarra ebria. Unas veces es imposible seguirlos y desenredarlos, en otras ocasiones los aisla.
    • Sus capas multicolores no tiene restricciones, cargan de todo, con todo y contra todo. Vociferan desde lo más profundo y no festejan más que las coartadas de la intimidación.
      • Decir que este artista belga no es sobrio tampoco hace falta ni tampoco añadir que su meta es la búsqueda de la máxima expresión esté donde esté, se sitúe donde se sitúe y maldiga a quien le maldice.

        • Polifonía o no, suena a concierto censurado en la mirada, que no se cansa de continuar esas líneas figurativas y abstractas en un espacio que es la rebelión de un retablo, un simulacro legítimo de sacrilegio. Y si hablamos de franqueza, dinamismo, exuberancia, también hemos de referirnos a verdad insepulta y estrepitosa, a autenticidad plagada de certezas que no podrían hablar sino ser pintadas al carecer de alegorías confirmadas.

          • Me quedo con ALECHINSKY y su plástica que teje gestos, los materializa, los confunde entre semblantes, muecas, aspavientos de una creación que no se agarra a una confabulación de letras porque no las necesita.
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