Un breve paseo por obras y artistas que infunden otra forma de mirar. Es una aproximación cuyo deseo es provocar otras emociones más íntimas y cercanas si cabe. Es una forma de mirar, otro modo de ver, un ardid para engañar, un truco para esperar, otra historia para seguir, un cuento de no acabar. Y de seguir sin perder de vista lo de más atrás.
Me chivan los conceptuales que la idea de arte (la obra) y el arte son una misma cosa y pueden ser estimados como arte sin necesidad de salir del contexto artístico para verificarlo.Qué monocordes y aburridos.
El portugués SOBRAL no necesitó de tales argumentaciones a la hora de emprender su aventura artística, pues sabía definir y materializar su intuición plásticacon el vigor de un imaginarioencontrado en un mundo al que nos hizo llegar con una visión señera.
Las calidades y propiedades pictóricas de su obra son una depuración de un pasado que dejamos de ver tal como sería en un presente ante el que todavía seguimos ciegos, pero que por medio suyo y con su lucidez y maestría nos ha conducido hasta alcanzar estas estas visiones.
Hay colores puros y colores que se mezclan y se funden los unos con los otros, se enfrentan y combaten hasta cuerpo a cuerpo, se desparraman, se mueven, pues su creador no les da licencia para abandonarlo aunque le suponga una etiqueta de expresionismo de segunda generación.
Tampoco permiten que la superficie les imponga una dirección determinada, se salen más allá de la misma si es necesario, porque el trazo, el brochazo, la violencia, la exaltación y la neurosis es su signo, y no se cansan de repetirlo de todas las maneras posibles.
Además el americano GOLDBERG imprime una fuerza insólita a lo manchado, sabe conjugarlo y ahondar en su ánimo, descubrir en ello lo que es inasimilable y al mismo tiempo incita a traspasarnos su emoción y la liberación de un destino que nos tiene acosados.
Nunca podríamos pensar ni suponer que lo textil entrañase una revelación plástica como la obra del catalán GRAU-GARRIGA, ni que tuviese una dimensión visual que generase tal pathos.
Y además sus fragmentaciones cromáticas constituyen lo táctil, lo óptico y sensitivo que abiertamente se muestra como una abstracción que desde el pasado y lo remoto renueva la cosmovisión con el vigor de su fértil elaboración.
Hay una multitud de recubrimientos que significan, que se ensamblan, que rescatan a la mirada del sopor, que comunican la fuerza de una creación con la controversia de su humildad y al mismo tiempo su suntuosidad.
Donald Kuspit llegó a la conclusión de que el paradigma de buen pintor es aquel que va más allá de su propia ironía, así como de la alienación de las vanguardias y de las neovanguardias.
Al toledano SÁNCHEZ BEATO le queda meridianamente claro que su pensamiento pictórico es el disfrute de un quehacer que antepone por encima de todo una configuración plástica que sorprenda incluso a la misma imaginación.
Su concepción cromática, tierna y dura, delicada y fría, abarca una múltiple inspiración de fuentes, a las que maneja con elegancia, convicción y profundidad, hasta constituir la cualidad sobresaliente de unas asociaciones figurativas que se asoman fragmentadamente en un espacio que, dada su tersura, las lleva en aleteos circunvalando unos límites casi imposibles.
Lo han dicho y yo lo repito: lo importante en la pintura no es la esencia, sino su problemática, es decir, los problemas históricos vinculados a ella. ¿Este reduccionismo es coherente o incitante?
El norteamericano AMENOFF concibe, en el planteamiento de sus obras, cuales han de ser las líneas, los volúmenes, los colores, lo biológico y lo telúrico, adelantándose hacia otros confines de la abstracción cuyo significado esté en nuestra mente como en el espacio en el que nos asentamos.
El grosor de sus manchas, meandros y extraños paisajes alimenta una necesidad de percibir la tierra y sus contornos, lo orgánico y su vigor plástico, lo esencial que no deja de serlo aunque venga inflamado desde el fondo de su raíz.
Se explica que los conceptos deben ser abstraídos del objeto en función de sus exigencias especificas. Pero eso, piensa el estadounidense MILLS, son abusos de una teoría cuyo estudio me dejé por el camino cuando supe qué era para mí la pintura y lo que significaba.
En sus obras no hay originalidad en sí misma sino una cierta paranoia para encontrar un camino desesperado que le lleve a una plástica que contenga y reúna todos los fragmentos en uno, pues son seres que se van deformando y mutando dentro de sí mismos. Al dejar salir unos humores también permiten la entrada de otros mayores.
La gestualidad se detiene en el proceso, se ordena y vuelve a tomar el sendero del delirio. Los colores pastosos, gruesos, intensos, se cruzan en unos trazos que implican desesperación o el abismo que perpetra el futuro.
Decía Worringer que tras la apariencia de las cosas asoma su caricatura, pues detrás de cadacosa inanimada se muestra una vida misteriosa y fantasmal.Incluso de las animadas, añado por mi parte.
En los retratos de la austriaca RUDOLF los grandes trazos procuran una síntesis que deforma los rasgos hasta que las expresiones nos lleguen a infundir las sensaciones fulgurantes de unos ídolos que se han consagrado a servirnos de espejo.
La intensidad cromática da forma y significado a una cosmovisión que ha encontrado en lo que ve un testimonio plástico que estrujar, que exprimir, hasta llegar a unos resultados bufos y arrogantes.
Decía Alfred Barr que el arte moderno no puede en modo alguno definirse concluyentemente ni en cuanto al tiempo ni en cuanto al carácter, y que cualquier intento de conseguirlo implica una fe ciega, unos conocimientos insuficientes o una falta absoluta de realismo académico.
Pero si algo está claro es que la obra de la iraní VAKILIno necesita definición porque todo ella lo es en sí misma, tanto en sus concepciones especiales -que nos trasladan a otros núcleos arquitectónicos, geográficos y culturales- como en sus planteamientos plásticos que a partir de unos orígenes se van incorporando otros hasta que la fusión se completa en una orografía fantástica.
Las perspectivas abren horizontes entre lo construido hacia un fondo queno tiene fin, dentro de unas longitudes que se estrechan y se alargan, que hacen que lo pictórico tenga un significado de evocaciones y tiempos perdidos.
Es absolutamente cierto que el azar forma parte de la producción de las obras de arte, pero en su justa medida y en la adecuación del seguimiento de una metodología creativa.
Que es lo que hace el francés BONNEFOI en sus procedimientos de creación, que va articulando conforme a unos patrones que son distintos para cada serie y que se caracterizan por una fragmentación del espacio en redes y nebulosas cromáticas que codifican la mirada.
Es la concreción de establecer su propia credencial plástica y abstracta, su entendimiento de que el quehacer debe definirse en la estructura pero sin doblegarla, dejando que se expresen en unos significados que se mueven a través de insinuaciones.
Se dice que la imagen no se dirige a las personas que creen que ella representa sus objetos de forma transparente y mucho menos a aquellos que caen en las ilusiones ópticas.
De la madrileña SALGADO sí se prefieren las ilusiones ópticas y no el abismo amenazador que evita anteponiendo su creación, para lo cual hace representaciones de una construcción que encuentra en su geometría armónica un soporte metafórico para la vida.
Los dioses no tuvieron más sustancia que la que tengo yo.
Vivencias Plásticas 
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